Quantcast
Channel: Versos e Aloumiños
Viewing all 1127 articles
Browse latest View live

MANUEL VEIGA REFLEXIONA SOBRE XUDEUS, NENOS E PALABRAS

$
0
0


      
Manuel Veiga. (Foto de Sabela Veiga)
QueManuel Veiga aterre neste blog-revista, de cando en vez, é unha maneira de encher os sentidos de claridade intelectual e convertelos nun prisma de múltiples arestas.
        
       Este escritor e xornalista ten unha visión moi lúcida sobre os avatares da vida, endexamais trivilizándoos, pero poñendo o sentido común en cada unha das opinións que os sucesos desta nosa vida lle merecen.
       
        Manuel Veigamanéxase nun ámbito amplo de xuízos, máis ben reflexións, que provoca, naqueles que conversamos con el, unha necesidade de pensamento que enriquece.
       
        Pode ser de política, de economía, de literatura, de cine, de pedagoxía e, mesmo, de fútbol, entre otras moitas disciplinas, do que chegamos a falar naqueles momentos de faladoiro. Sempre sen dogmatismos, sen imposicións, os seus pensamentos están patentes para debatelos dun xeito intelixente.
        
       Cando escribe artigos, ocorre igual. É quen de fixarse nos temas que pasan desapercibidos á maioría. E dálles unha categoría presencial que se agradece.  Pon o dedo na chaga nas pequenas cousas que, curiosamente, son menos pequenas do que semellan ser e, a partir de aí, o seu discurso faise moi interesante.
        
       A Manuel Veiga preocúpanlle moitos feitos que están no seu universo. E, de maneira especial, fai da literatura o centro da súa vida intelectual. Nada ten  máis importancia  para el que a palabra escrita. É habitual velo visitando librarías, lendo nunha cafetaría ou levando libros diferentes na súa carteira.
        

       A literatura vén sendo, para Manuel Veiga, unha compaña cotiá que lle permite sentirse máis seguro e feliz.
        
       É un gran lector, céntrase e subliña parágrafos que son importantes e a min encántame  que mos lea para , deseguido, comentalos xuntos.
        
       Non nos estrañe, pois, este artigo tan esclarecedor, que parte da lectura dun capítulo dun ensaio de  Amos Oz e da súa filla sobre xudeos, rapaces, educación e, como non!, da palabra escrita.
        
       Artigo curioso que merece se lle preste moita atención.





Os xudeus, os nenos e a palabra escrita


 Estou a ler Os xudeus e as palabras, un ensaio que vén de publicar Siruela, redactado a dúas mans polo gran escritor israelita Amos Oz e a súa filla, historiadora, Fania Oz-Salzberger. Ambos son, segundo eles mesmos se confesan, xudeus laicos, é dicir, non crentes, o que non os aparta de ser tamén grandes defensores (aínda que non cegos nin excluíntes) do xudaísmo.
 
Amos Oz
     Autor e autora tratan, ante todo, de explicarnos que de existir algún fío condutor entre o antigo pobo hebreo e o actual, ese fío non pode ser outro que o da palabra e, en concreto, o da palabra escrita. Unha liñaxe así, entre Abraham, se é que existiu, ou en todo caso entre o Xénese e as propias novelas de Amos Oz; unha liñaxe polo tanto non verificábel pola arqueoloxía nin pola xenética, senón através da análise dos textos.

     Ninguén máis que os xudeus lle terían outorgado, desde hai cando menos dous mil trescentos anos, esa relevancia á palabra escrita. Os libros sagrados serían para eles, non só sagrados, senón tamén un motivo permanente de debate, unha fonte habitual de preguntas e incluso un espazo para exercitar o humor, aínda que isto último sucedese nunhas épocas máis que noutras. De aí, din os Oz, ese continua verbosidade que mostran e esa estraña maneira de falar do seu Deus e dos seus profetas e rabís, combinando irreverencia con devoción.


O neno non é un anxo inocente

  Unha das especificidades do xudaísmo radicaría en que a transmisión da fe –que é á súa vez un código legal e unha ética social– se realiza, sobre todo, en familia e, máis en concreto, na mesa. É o lugar onde os xudeus introducen sempre algún tipo de narración, sagrada ou non sagrada, acompañada tamén sempre de doces, que axudan a que a asimilación da lectura resulte máis fructífera. Nese vínculo habitual están moi presentes os nenos. O mandato bíblico ordena expresamente: “Nárralle ao teu fillo”.


  Familia, mesa, doces, lecturas unhas veces repetitivas outras non tanto, van unidas entón á aprendizaxe e neste capítulo ocupan un lugar predominante as criaturas, os nenos sobre todo, posto que as nenas, aínda que tamén están presentes e escoitan, teñen vedada, en boa parte, a posibilidade de participar. 

   O ámbito onde transcorre a instrución ou mellor dito un dos ámbitos, pois tamén existen, por suposto, as sinagogas ou as academias rabínicas, chamadas yeshivás, non é, polo tanto, un lugar célibe nin espartano. Nel transmítese a fe e respectase a autoridade, pero tamén hai espazo para as preguntas e para as risas. O fillo discrepante ou airado sempre merece unha resposta, aínda que vaia acompañada da correspondente reconvención.
Rabino. (Marc Chagall)

     No xudaísmo, segundo nos contan os Oz, ten máis importancia que noutras culturas, a relación, non xa pai-fillo, senón mestre-discípulo, sen que ambas cousas, e de aí outra das súas particularidades, resulten incompatíbeis. O discípulo non só debe escoitar, senón que tamén se lle aconsella preguntar e incluso cuestionar as ensinanzas do rabino. Deste hábito nacería a característica inclinación dos xudeus ao debate e á controversia.
          
O Talmud
       Aínda sen existir daquela unha literatura infantil, moitas das obras transmitidas tiveron moi en conta esa presenza dos nenos e así non é estraño atopar nelas xogos, bromas e enredos, aspectos miúdos da vida, dos que tamén se podía tirar unha ensinanza. “Por que un camelo ten o rabo pequeno?”, pregúntanse, por exemplo, os talmudistas. Ou ben: “Que debería facerse cun ovo que a pita puxo durante un día de festa sagrada?”. Ou “que ocorre cando un rato entra nunha casa, que xa foi expurgada de pan leudado antes da festa do Pésaj (a que conmemora a saída de Exipto), cun anaquiño de pastel no bico? E se despois ves un rato que sae da casa cun botín parecido, como saberás se é o mesmo rato ou o mesmo pastel?”.
          
Festa do Pésaj
        A palabra escrita nunca foi, na cultura xudía un privilexio dos ricos e sempre vinculou os seus membros desde unha idade moi temperá. De cada rapaz, agardábase que asistise á escola entre os tres e os trece anos. O xudaísmo, dinnos os Oz, non considera os nenos adorábeis como seres inocentes, tal e como ás veces se observa no cristianismo, senón agradábeis cando recitan e xogan cos textos, cando mostran as súas habilidades coa palabra. A inocencia, tal e como a entenderían os cristiáns, equivale a ignorancia, e os xudeus nunca farían loa da ignorancia, senón o contrario.
 
Fania Oz-Salzberger
    Desde moi antigo, en moitos países onde había xudeus, era natural que as nais enviasen ao neno á escola con algunha galdrumada ou pastel ou ben con améndoas ou pasas, para que a primeira letra que o infante lía por si mesmo, a primeirísima palabra no primeirísimo libro, viñese rematada por un doce, de maneira que, din os autores, “tiña que saber como unha delicia”.
 
Doces xudeus
Medo á disgregación e complexo de culpa

A maiores desta visión positiva, sen dúbida, podemos pensar que a forma de instruír desde moi cedo, desde que o neno comeza aos dous anos a entender as palabras e desde os tres cando comeza a lelas, é dicir practicamente desde o destete, e cunha especial pedagoxía gastronómica, deriva do medo dos xudeus a perder a súa relixión e cultura, a diluírse dentro de sociedades nas que eles eran habitualmente minoría. Trátase do medo “a que se afogue a chama da memoria colectiva”, en palabras de Amos e Fania Oz. Ese “nárralle aos teus fillos” bíblico é ante todo un modo de imbuír na mente das criaturas o seu “destino xudeu”. O seu lado escuro significa: converte os teus fillos en portadores dunha antiga maldición, a de ser perseguidos, ou cando menos en portadores dunha historia triste.


Unha das consecuencias de todo isto atoparíase na característica ansiedade que manifestan os xudeus. A familia xudía (termo moitas veces identificado na Biblia coa nación) asociase así, desde hai séculos, co complexo de culpa.

Chegados aquí, só podemos dicir que a propia lectura deste libro nos incita igualmente a poñer sobre a mesa as nosas propias preguntas, a poder ser acompañándoas dalgún doce.

                                                                                          MANUEL VEIGA TABOADA


OS MURMURIOS DO Can CAN (1)

$
0
0





     O can Can, dende que vive entre libros e música, está moi feliz.
Quere dicirnos cousas. Musita continuamente.

     O can Can non di guau. Fai ruídos leves, coma se fose o vento ou a auga dun río. Olla cara a nós e vai creando un rumor, uns murmurios, que intentan dicir algo. E non pensedes que di trivialidades, non.

     O can Candescobre cousas nas que nós, moi a miúdo, non reparamos.

     E quere contalas.

     De aí que Versos e aloumiños lle vai ofrecer unha sección fixa, sen periodicidade exacta, para que todos e todas poidades coñecer as súas descubertas.

     Chamarase Os murmurios do can Cane esperamos que vós, e nós tamén, poidamos saborealas xuntos.

     Velaquí estas primeiras.

  


     
      O can Can dinos musitando que…



     … está encantado de que a editorial Galaxia, na súa colección “Árbore”, publique un libro de teatro para os cativos. Pensa que é necesario e aplaude a decisión.
       
     Trátase do libro de Isabel Freire, “Aos Reis Magos non lles gustan os caramelos de menta”. Unha historia chea de humor e complicidade entre unha nena  de oito anos e os Magos de Oriente.


     

     
     … que, por fin, están xuntos e postos en música os “Seis poemas galegos de Lorca”, ademais dunha saudación elexíaca a Rosalía de Castro.
      
     Cántaos, como non!, Amancio Prada e edítaos a magnífica editora Vaso Roto Ediciones.
     
    Tamén di que lle gustaría escoitar o trobador do Bierzo. De aí o vídeo que engadimos. Un diálogo entre Federico e Rosalía de Castro.





     

          … que lle gusta moito o  poeta de Avellaneda, Bos Aires, Hugo Mujica, e nos ofrece este breve poema, tirado da súa “Poesía Completa (1983 – 2011)”, que a mesma editorial dos poemas de Lorca publicou co título de “Del crear y lo creado”, na súa colección “Esenciales Poesía”.

algo más blanco
Hugo Mujica
que la verdad

algo como un gemido
enrojeciendo
el amanecer

o más aún:

como un dolor callado
que también oigan los ciegos


     

     …  y finalmente que lle encanta a poeta Mª Jesús Jabato. Que se emocionou cos poemas do seu libro  “Gori gori”, editado por Kalandraka e que nos quere ofrecer un deles: o que se chama “Mi habitación”.

     E di así:


Las paredes azules
son cuatro cielos;
busco en ellos la luna
y no la encuentro.
Blanco el techo: una nube
con agua dentro.

Cuando cierro los ojos
suenan mil truenos
que amenazan tormentas
de agua y de sueños.
Por la ventana abierta
se oye un jilguero.



     E despídese cunha canción de Luis Eduardo Aute que lle dedica á súa amiga An Alfaya. Trátase da coñecidísima "De alguna manera" interpretada en vivo, 2011, no teatro Gran Rex de Bos Aires.




                    E can Can volve ao balcón a seguir observando a vida.

TEMPO DE LER (e IV)

$
0
0



Canto nos gustaría que estas entregas de títulos que levamos publicando en Versos e aloumiños  servisen para que se lese un pouco máis!
        Seguen a resultar aterradoras as cifras arredor da lectura e as vendas de libros.
       Acabamos de coñecer que, no ano 2013, esas vendas caeron un 10 % con relación ao ano anterior. Caeron!  Aínda máis nun país que le ben pouco? Terrible!


       Tendo en conta que os libros infantís e xuvenís van vencellados ás prescricións escolares, que hai libros-lixo que se venden e dan noxo, que o nivel do que se publica de maneira maioritaria non ten calidade, preguntámonos: quen entra nas librarías buscando literatura, literatura?
       Xa non sabemos que pensar.

       De aí, estas entregas. Bos libros para os pequenos  e non tan pequenos. Se non somos conscientes do que nos xogamos, a desfeita será inevitable.
       E xa non falamos do libro escrito en galego. Para poñerse a tremer.
       Ben, pois aí queda a cuarta e derradeira entrega deste verán. Poesía, imaxes e narrativa.

       Que gocedes do sol, do mar, da montaña, do río cun libro ben preto.



                         fragmentos, fragmentos, fragment…, fragm…




Un libro de fermosas imaxes e un pequeno texto ao principio e outro, como remate :     ¿Dónde está mi zapato?  do clásico Tomi Ungerer, editado por Kalandraka.










 … de todos los cuartos
que mi casa tiene,
si puedo elegir,
la cocina siempre.
De chupe, rechupe,
requetechupete.

Entre cucharones,
ollas y sartenes,
cubiertos y platos,
la cocina siempre.

De chupe, rechupe,
requetechupete.

Siempre la cocina,
tan grata y caliente,
de chupe, rechupe,
requetechupete.

De chupe, rechupe,
requetechupete.

        
                                                                                                    (Cómo como. Ignacio Sanz. Edelvives.)






            … a correr y ya no hablaron hasta llegar a su destino, la calle Níquel. Jadeantes, se detuvieron delante del número 92.
   - ¿Qué? ¿Otro solar vacío? – se desesperó Max.
    Eso era. Con una valla medio caída, porque debía de llevar…

       
                                                                 (El asesinato de la profesora de Ciencias.Jordi Sierra i Fabra. Anaya)







       … latía a 120 por minuto, por lo menos. Creía que mamá notaría que estaba temblando por la mentira, pero no notó nada. Cogí la cámara, me puse los zapatos y la cazadora y me despedí de ella. Casi nunca…
     
                                                                                 (Un chico diferente. Ricardo Gómez. Edelvives)




 …  la vieja puente del río
no mira pasar el agua
la vieja puente de piedra
a solas desconsolada.

De piedra puente del río
llora en la noche del agua
no pasa sobre sus arcos
mi amor por la madrugada.

Mi amor se fue con la noche
agua que llora en el agua
igual que llora la puente
llora de pena mi alma.


                                
                                            ( De los álamos el viento. Ramón García Mateos. Faktoría K de Libros)





… si abriera yo una tiendita,
adivina, adivinanza,
¿sabéis lo que vendería?
Solo esperanza.

“¡ La esperanza está barata!”,
pregonaría a la gente,
y, por dos perras, daría
cuanta quisiera el cliente.

Y a los pobres que no tienen
ni para desayunar
les daría mi esperanza
toda entera y sin pagar.



                                                                      (Retahílas de cielo y tierra. Gianni Rodari. Ed. SM)




… en silencio van los peces,
en silencio van y vienen,
en el silencio del agua
se deslizan mudos, leves.

Sobre la piel azulada
del mar frío de noviembre
se adentra en la noche un barco
con una luz en la frente.

En silencio van los peces,
en silencio van y vienen;
también el barco en silencio,
mudo silencio de redes.



                                                                           ( A mares. Mª Jesús Jabato. Faktoría K de Libros)







        … mujer consiguió sacarla del agua a duras penas y transportarla hasta la acera. La apoyó en la torre de la iglesia. Frits comprendió desde el primer momento que la señora Dussel quería alcanzar…

                                                           
                                                                           (Luces en el canal. David Fernández Sifres. Ed. SM)

CATAVENTO DE POEMAS INFANTÍS (XLI) Helena Villar Janeiro (2)

$
0
0




HELENA  VILLAR  JANEIRO  (Becerreá, 1940)




POEMA DELGADO

Helena Villar Janeiro
A neve é
fría,
branca,
lene,
auga,
nada.


A
neve
é
e
non
é.




O CASTELO  DA CHUVIA

A chuvia está escondida
nun castelo encantado
que fixeron as nubes
alto, moi alto.

A chuvia ten a auga
gardada en tinas
redondas, pequerrechas
igual que pingas.

Cando lle peta,
ponse a tiralas todas
desde as ameas..




O TALLER DAS ARAÑAS

Nun taller que puxeron
dúas arañas
tecen mantas e colchas,
manteis e sabas.

Tan pronto chega a noite
gardan os fíos
e marchan en silencio
para os seus niños.
Ilustración  de Mª Fe Quesada

E cando chove
fan un cordel
para secaren roupa
tendida nel.






MAMBRÚ NON VAI  Á GUERRA

Mambrú non vai á guerra
¿e que fará agora?

Cultivará oliveiras
que dean moitas pólas
e sementará millo
para manter as pombas.


                                                                                                                (Do libro As señoras cousas. Editorial Galaxia. 2014)




                                                                                         

16 DISCOS IMPRESCINDIBLES DE JAZZ VOCAL, SEGÚN WILL FRIEDWALD (Parte 1 de 3)

$
0
0
El crítico de jazz Will Friedwald
Will Friedwald es, sin duda, uno de los más relevantes críticos de jazz de la actualidad, con un estilo directo e inteligente y ningún tipo de reparos a la hora de dar rienda suelta a la creatividad y a las opiniones personales. Ha dedicado libros a Frank Sinatra y a Tony Bennett, así como a doce de los standards más laureados del jazz y el pop estadounidenses, y no hace mucho que ha publicado la faraónica Biographical Guide to the Great Jazz and Pop Singers (Pantheon, 2010), libro de absoluta referencia para comprender el jazz vocal y el pop clásico americano. Pero el que a mí  me parece su mejor libro es Jazz Singing, publicado en los años 90 y varias veces reeditado, un estudio muy completo acerca del arte del jazz vocal que todavía nadie ha tenido a bien editar en castellano (o gallego, o catalán, o euskera, etc.) para que lo puedan disfrutar lectores que no hablen inglés.

Al final del libro, Friedwald incluye un muy interesante apéndice con una lista de los dieciséis discos de jazz vocal que, a su juicio, resultan indispensables en cualquier colección jazzística que se precie. He estado releyendo Jazz Singing por enésima vez y me he topado con dicha selección, y me he dado cuenta al momento que los dieciséis CDs figuran en mi colección. Friedwald avisa al lector de que no se le ocurra aparecer por una isla desierta sin ellos, pero no suelta prenda acerca de por qué ha elegido precisamente estos títulos. Como yo los he escuchado todos—y por lo tanto no tendría problema si tuviese que convertirme de repente en un Robinson Crusoe del jazz vocal—os daré mi opinión sobre cada uno de ellos y, por el mismo precio (que es verdaderamente módico), añadiré otro disco de cada uno de estos intérpretes que a mí me parezca también imprescindible. Friedwald ordena los elepés alfabéticamente, no según su preferencia; yo no haré ni una cosa ni la otra. Vamos con los seis primeros.



Peggy Lee - Black Coffee (Decca)

Hay quien dice que Peggy Lee no tiene una voz espectacular, pero lo cierto es que eso no es algo necesario para cantar jazz del bueno, como ella demuestra una y otra vez a lo largo de su prolífica carrera, en la que se mueve con enorme facilidad entre el jazz y el pop. Este elepé, publicado en 1956, es una de sus obras maestras, y en él Lee interpreta doce clásicos salidos de la pluma de compositores como Rodgers y Hart, Johnny Mercer, Cole Porter o George y Ira Gershwin. En el pequeño grupo que la acompaña brillan el pianista Jimmy Rowles y el trompetista Conte Candoli. Una verdadera maravilla para disfrutar con o sin café.




Otro disco recomendable de Peggy Lee: Hay varios, pero si de lo que se trata es de apreciar el estilo de Lee como cantante de jazz, creo que pocas elecciones son tan idóneas como Trav'lin' Light (Capitol), una recopilación de transcripciones radiofónicas grabadas al inicio de su carrera con perfecto sonido, y en las que aparece acompañada por quien entonces era su esposo, el guitarrista Dave Barbour.



June Christy - Something Cool (Capitol)

Tras ocupar el puesto de vocalista en la orquesta de Stan Kenton en los años 40, durante la década de los 50, June Christy se convirtió en una de las cantantes más imaginativas y vanguardistas, en especial en la excelente serie de álbumes que grabó para Capitol. Something Cool es, sin lugar a dudas, su obra maestra, uno de los elepés clásicos de los primeros años de dicho formato discográfico. El magnífico arreglista Pete Rugolo creó unas partituras que arropan a la perfección la voz de tono a veces levemente ronco de Christy, tanto en baladas como en temas a ritmo de swing. El resultado es uno de los mejores ejemplos de la adaptación del estilo del cool jazz de la Costa Oeste al registro vocal.




Otro disco recomendable de June Christy: La mayor parte de lo que Christy grabó para Capitol resulta muy interesante, pero uno de mis favoritos es The Intimate Miss Christy, publicado en 1962. Aquí Christy sigue los pasos de Julie London, seleccionando fundamentalmente baladas para crear una atmósfera intimista a la que contribuye el acompañamiento casi minimalista de Al Viola a la guitarra y Don Bagley al bajo.



Louis Armstrong - Louis under the Stars (Verve)

Friedwald hace bien en rescatar este elepé de Louis Armstrong de la relativa oscuridad en que se hallaba sumido. Por suerte, Verve ha decidido reeditarlo junto a otro, I've Got the World on a String, grabado el mismo día de agosto de 1957 que éste. En Louis under the Stars nos encontramos a Armstrong en compañía del arreglista Russ Garcia, cantando standards como "East of the Sun", "Stormy Weather" o "Body and Soul", y las partituras de Garcia también le dan la oportunidad de protagonizar varios solos de gran interés. Sería demasiado reduccionista pensar en Satchmo únicamente como un genio de la trompeta, pues tanto él como su amigo Bing Crosby ayudaron a teñir la música pop con inflexiones jazzísticas (y viceversa) en los años 20 y 30, y a partir de ahí, como acertadamente argumenta Friedwald en el libro, ya nada sería igual.




Otro disco recomendable de Louis Armstrong: La discografía de Louis es tan enorme y ecléctica que es difícil escoger un solo disco suyo más para recomendar, pero sin duda, uno de sus mejores vinilos es Satch Plays Fats, de 1955, en el que rinde homenaje a otro grande, el entrañable y siempre divertido pianista Fats Waller. En el grupo estelar que acompaña aquí a Satchmo destacan el trombonista Trummy Young y el clarinetista Barney Bigard.



Ella Fitzgerald - The Intimate Ella (Verve)

Hay quien se empeña en comparar a Ella Fitzgerald de manera desfavorable con Billie Holiday, sin comprender al hacerlo que se trata de dos vocalistas notablemente diferentes. Reconozco que a mí me atrae más el estilo de Holiday, pero esto no deja de ser más que una preferencia personal que no me impide reconocer las múltiples virtudes vocales de la Fitzgerald, que es una excelente cantante de jazz que ha sabido interpretar también pop con gran éxito. Como su propio título indica, este disco publicado en 1960 nos presenta la cara más intimista de Ella, acompañada únicamente por el piano de Paul Smith en una suerte de regreso al tipo de sesiones que ya había grabado años antes para Decca junto al gran pianista Ellis Larkins (y que se pueden escuchar en la recopilación titulada Pure Ella). La selección de temas ("One for My Baby", "I Can't Give You Anything But Love", "My Melancholy Baby", "I Hadn't Anyone Till You") no puede ser más acertada y las interpretaciones de Fitzgerald resultan una verdadera delicia para los oídos.




Otro disco recomendable de Ella Fitzgerald: Una vez más, la lista sería interminable, pero si he de decidirme por otro disco de Ella, tendría que quedarme con Sings the Cole Porter Songbook, el álbum doble dedicado a composiciones de Porter. Fitzgerald se inspira aquí en una idea que ya pusiera en práctica años antes Lee Wiley, y este primero de su larga serie de songbooks ha sido siempre mi favorito, aunque todos los demás (los dedicados a los hermanos Gershwin, Duke Ellington, Irving Berlin, Rodgers y Hart, Johnny Mercer, etc.) resultan altamente recomendables también.



Sarah Vaughan - Misty (Mercury)

Sarah Vaughan poseía una voz prodigiosa que puso al servicio del jazz y, ocasionalmente, del pop, y ambas aristas de su estilo vocal se funden en el disco Vaughan with Violins, de 1959, publicado en CD bajo el título de Misty, la melodía de Erroll Garner con letra de Johnny Burke que Vaughan fue una de las primeras en grabar. Los arreglos de cuerda, obra de Quincy Jones, destilan clase y una melancolía contenida, y la mayor parte de las baladas elegidas se benefician de suaves solos de saxo a cargo del gran Zoot Sims, que nos recuerdan que las cuerdas, si están manejadas con sabiduría, no tienen por qué sonar discordantes en un contexto jazzístico. Como la voz de la Vaughan, este elepé es pura belleza.




Otro disco recomendable de Sarah Vaughan: Aunque su discografía es extensa, no he tenido la menor duda al seleccionar otro disco imprescindible de Vaughan. Si el anterior nos presenta a una Sassy más popera, su colaboración con el trompetista Clifford Brown, editada con el poco original título de Sarah Vaughan with Clifford Brown (EmArcy), es un auténtico clásico del jazz y en él encontramos a la Sarah más jazzística, improvisando en compañía de un grupo en el que, junto a Brown, destacan poderosamente Herbie Mann a la flauta y Paul Quinichette al saxo tenor. Estamos, verdaderamente, ante un disco redondo.



Tony Bennett - When Lights Are Low (Columbia)

Aunque ha cosechado importantes éxitos en el terreno del pop ("Because of You", "Who Can I Turn To?" o "I Left My Heart in San Francisco" son sólo tres ejemplos), Tony Bennett es, de manera innegable, un excelente cantante de jazz, y múltiples inflexiones jazzísticas se deslizan en prácticamente todas sus grabaciones, desde las más arriesgadas hasta las más comerciales. Coincido completamente con Friedwald en su opinión sobre When Lights Are Low, un trabajo de 1964 que siempre me ha parecido el mejor de la impresionante—y a veces irregular—discografía de Bennett. Como su título sugiere, lo que Bennett ofrece aquí es un jazz sensual y evocador, un jazz para ser escuchado a media luz. Y el acompañamiento del trío de Ralph Sharon en estos quince temas (un repertorio lleno de clásicos de Porter, Gershwin, Johnny Burke, Jimmy Van Heusen o Hoagy Carmichael) contribuye a crear la atmósfera intimista necesaria para convertir el elepé en una pequeña joya.




Otro disco recomendable de Tony Bennett: La recopilación titulada simplemente Jazz (Columbia) es idónea para apreciar a Bennett como vocalista de jazz, pero sin duda, los discos que realmente resultan imprescindibles son los dos que grabó con Bill Evans en los años setenta: The Tony Bennett / Bill Evans Album y Together Again. Se trata de una de esas combinaciones que sobre el papel suenan extrañas pero que terminan siendo sorprendentemente perfectas, y las avanzadas ideas armónicas de Evans constituyen el complemento más adecuado para el sentido del ritmo de Bennett. Por suerte, ambos discos fueron reeditados por Fantasy en un CD doble en 2009, y cuatro décadas después de su edición original siguen sonando igual de frescos que siempre.

FINAL DE LA PRIMERA PARTE

                                                   ANTÓN GARCÍA-FERNÁNDEZ

CATAVENTO DE POEMAS INFANTÍS (XLII) María Jesús Jabato

$
0
0





MARÍA JESÚS JABATO  ( Burgos, 1959)



PUEBLO DORMIDO

María Jesús Jabato
Cuando el pueblo duerme
el silencio blanco
dueño de la noche
lo envuelve en su manto.
Cuando el pueblo duerme
un temblor lejano
escarcha de estrellas
las flores de mayo.
Cuando el pueblo duerme
no hay risas ni llanto,
pero si amanece
es canto del gallo.




LA PLAZA

Los niños en la plaza
uno, dos y tres,
saltan a la comba,
cuatro, cinco y seis,
la tarde corre, vuelve
el tiempo del revés;
la noche señorea,
ocho, nueve y diez.
 




EL CAMINO


Hay un camino de piedra
que une tu casa y mi casa,
bordeado de amapolas
que saludan cuando pasas,
hay un río que verdea,
verde maraña de algas
y peces en el silencio
dulce y cantarín del agua,
hay un matorral de moras,
hay dos álamos de plata,
un campo de girasoles,
otro campo de lavanda
y un coro de pajarillos
que trina largas sonatas
Ilustración de Erica Salcedo.
mientras cruzas el camino
que une tu casa y mi casa.



ME QUIERE, NO ME QUIERE

Deshojo la margarita
para saber si me quiere
y cada pétalo hiere
a la flor; pero no grita.
Sigo quita, quita, quita…
¡me quiere! Sí… sí… ¡me quiere!
La margarita se muere
y mira que era bonita.




                                                                   (Del libro Campo Lilaila. XI Premio de poesía infantil “Luna de aire”, 2013. CEPLI).

CADERNO ÍNTIMO (XIX)

$
0
0


       

                                                                 Páxina decimonovena
                
       Xa pasou máis dun mes, dende que a andoriña marchou da casa, e parece que hai non sei cantos séculos que estivo en Vigo.
Como veu, marchou. Polo aire, entre as nubes, o sol, a chuvia e, talvez, entre unha néboa mesta e prateada.
A nosa andoriña, en Vigo.

       Néboa, dende logo, foi o que deixou nesta casa coa súa partida. E non, precisamente, néboa  de prata.
Entre esa néboa, que máis semella fume, lembro ese sorriso que me botaba, sentada na colcha aberta no chan, cando eu aparecía polas mañás no seu pequeno mundo.
Néboa, néboa, néboa, néboa...

       E, entre a néboa, revivo as súas garatuxas, os seus xestos, a súa mobilidade, os seus ollos tan grandes, o seu xeito de comer, de imitar, de escoitar cancións.
        
Voa, voa..., miña andoriña!
       Conseguiu a miña andoriña que dese a volta e volvese a ver este mundo, no que vivo, de fronte; este mundo que a súa presenza encheu de cor. Porque, non nos esquezamos, o que nos rodea continúa a estar demasiado confuso para min. . Non perdo completamente a esperanza de que mellore, pero non é doado cambiar as cousas. Iso penso eu.
       Porén os voos da miña andoriña debuxaron no aire mil cabriolas coas que gozo só con lembralas.
       Que oco deixou! Agora, quédame o Skype. Véxoa, mais non a toco, nin a abrazo, nin sinto os seus recendos  infantís, nin podo bicala.
       Ai, isto de ser avó! Sentimentos indefinibles.

       E un día recibo un libro doutro avó feliz. Un poemario do meu querido e admirado Pedro C. Cerrillo, profesor da UCLM, que anda toliño cos seus netos.
Con Pedro C. Cerrillo

        O libro chámase  El jardín de Óscar. Son páxinas  cheas de agarimo, amables, cunhas estruturas sintácticas ricas y que soan de marabilla.
       Sobre estes poemas, di Jesús Díaz Armas (ULL) que “ lo que caracteriza a esta poesía es, precisamente, la mirada amable, ingenua y soñadora que la sustenta y que nos viene a reflejar un mundo edénico y acogedor,  pero a la vez suavemente irónico”. Óscar, o seu neto, é o centro deste universo poético, no que Pedro mantén un diálogo intelixente co neno. Un dialogo cheo de musicalidade e de cor, que responde aos intereses de ambos. Entrañable e vivo, resulta unha delicia lelo.
       Lede, por exemplo, estes dous poemas , nacidos dese sentimento indefinible do que eu falaba antes:

LA MARIPOSA HERMOSA

Mariposa que vuelas
junto a mi niño,
enséñale tus alas
de color amarillo,
y dile que no llore,
que esté tranquilo,
que con él jugarán
todos sus amigos.

Mariposa que vuelas
alegrando el cielo,
quédate muy quieta,
detente un momento,
que el niño necesita
un poco de consuelo.

      

       Teño que agradecerlle a Pedro o feito de compartir comigo a ilusión de ser avó, que el reflicte claramente nestes poemas.  Agora, que volvo a estar de costas ao mundo, recibir este poemario fíxome moi feliz.
       É que isto de ser avó vén sendo coma un círculo que non se pecha endexamais.
      
        

       Lembro neste intre que un pouco antes de chegar a miña andoriña, case como un sinal máxico, estaba eu a ler o interesante  libro de Juan Cruz Ruiz, Especies en extinción (Memorias de un periodista que fue editor) Ed. Tusquets, no que expresaba nalgunha das súas páxinas os sentimentos indefinibles de ser avó.
      
        E dicía cousas coma esta referíndose ao seu neto, Oliver:  “Y  es que ésta es una nueva situación, un niño en la vida.(…) Ahora ya el niño aprendió a sonreír, luego aprendió a reír, y finalmente aprendió a poner miradas, a mirar intensamente, a mirar al desgaire,a mirar sin ver” (…)
       E engade:  “… los niños viven rápido, no sabremos qué produce el ensimismamiento de los niños”. Así é. Mirando a Libby, deténdome nas súas reaccións, pregunteime moitas veces que lle estaría pasando á andoriña pola cabeza.

       Sigo a ler  de novo a Juan Cruz: “Tiene una virtud, entre otras, el nacimiento de un niño tan cercano, un nieto. En primer lugar, detiene el tiempo, o eso dicen “(…)
       
Juan Cruz Ruiz

        Canta razón ten o xornalista, escritor e editor canario. Évos así.  Detense  o tempo e sentes que estás a vivir na atemporalidade máis absoluta. Convénceste de que penetras na esencia do ser humano dende que este comeza a ter vida de verdade. Chegas a reparar en situación nas que antes non repararas. Maxia!, xaora.
     
      Para a miña andoriña, estiven facendo unha biblioteca especial, á marxe da miña
propia. Pedín a escritores e escritoras amigos un libro dedicado para Libby. Quería facerlle unha biblioteca dende a calidade e mais a amizade: a Libbyblioteca. A resposta non puido ser máis xenerosa e positiva. Emocionoume. Quería que a nena, que vai vivir nos EE.UU., tivese unha biblioteca infanto-xuvenil en galego e en castelán. Así vai ser.

       Voaron con ela moitos deses títulos. Os que non puideron voar, enviareillos por correo a Martin. Síntome moi feliz e fachendoso da iniciativa.
        
Xoán Babarro

       Un deses escritores foi Xoán Babarro. El e mais Ana enviáronme varios títulos. Un deles, La tela de araña que todo lo apaña(Edebé) traía unha simpatiquísima nana, escrita por Xoán.
Esta é:

        
       Pérdome falando dese estado evanescente que é ser avó. Son consciente que me poño algo (ou moito?) pesado co tema. Como leo na magnífica novela de Erri De Luca, El crimen del soldado, “pido desculpas pola miña digresión”.
       Así que, de costas ao mundo, poño un sombreiro de verán sobre a miña cabeza e comezo a perderme  polos carreiros do agarimo para lembrar a nena máis riquiña do mundo. (Por favor, perdoádeme de novo pola miña digresión. Pido desculpas. Amén.)

                                                                                                                             O VELLO SOÑADOR       

NA FARÁNDULA ESTIVAL DA MAN DE AN ALFAYA

$
0
0




An Alfaya
       Que An Alfaya, como escritora, é unha debilidade miña resulta moi claro, pois o manifesto decontino.
       Que compartimos bastantes cousas (as cancións e mais a figura de Luis Eduardo Aute, por exemplo) é ben sabido e, se non se sabe, dígoo eu.
        Que me parece unha persoa sensible e entrañable e iso reflíctese na súa obra, afírmoo rotundamente. Esa é unha das razóns pola que a sinto preto.

        Tampouco non vou se eu quen descubra a esta narradora cun universo literario orixinal e profundo.Ela non o precisa. Está, por méritos propios, moi valorada. É unha magnífica escritora.

        Pero, talvez, moitas persoas non saiban que é unha autora de teatro brillante. Que ten escrito obras para que os seus lectores e lectoras gocen dese xénero tan esquecido como é o teatro. Obras que se len de marabilla e que representalas fan as delicias de quen desenvolve algún papel nelas, e daqueles que asisten ás representacións.

       Eu mesmo, hai uns anos, puxen de lectura na miña aula de 6º de Primaria o seu estupendo libro O maquinista Antón.

       Precisamente este libro é un dos protagonistas do texto que An escribiu para Versos e aloumiños. Tardou en facelo, pero cumpriu.

       Estamos moi satisfeitos, os que lle damos forma a este blog-revista, de recibir un artigo como o que podedes ler deseguido. Teatro en estado puro. Un percorrido ben interesante polas experincias teatrais desta autora "neste mes de xulo que esmorece, nas súas propias palabras".

       Grazas, outra vez, polo teu agarimo e a túa xenerosidade.

       Que o teatro chegue aos recónditos recunchos deste mundo tan necesitado desa farándula da que nos fala An!!!


Unha representación da Escola Municipal de Teatro de Vigo





                                                VERÁN DE FARÁNDULA





       Abrir as xanelas ao verán supón descorrer un pano imaxinario e deixarnos levar polo que nos ofrece o espazo escénico da vida... Quizais a frase resulte un chisco relambida,  daquela vou contar en prosa as miñas experiencias teatrais neste verán onde xullo xa esmorece.
      
CEIP Sárdoma-Moledo
        Todo comezou a finais de maio e principios de xuño. Alumnos do colexio Sárdoma Moledo de Vigo puxeron en pé a peza “O maquinista Antón” como actividade de fin de curso. Unha oferta artesanal, falta de medios, mais feita con agarimo. As faíscas que brillaban nos ollos dalgúns rapaces buscando a miña aprobación abondaron para que pagase a pena acompañalos.


       Poucos días despois acudín ao centro Eusebio da Garda de A Coruña, onde volveu ser protagonista o mesmo texto, neste caso nun encontro literario, onde  puiden intercambiar co alumnado e o profesorado enriquecedoras impresións sobre o libro e as posibilidades do teatro como actividade lúdica, chegando á conclusión de que nos permite expresar as nosas emocións, potenciar a creatividade, liberar tensións e gozar como lectores, dinamizadores, creadores ou espectadores.

       E como espectadora, convidada por Eva Vila, profesora da Escola Municipal de Teatro de Vigo, polas mesmas datas achegueime ao Auditorio do Concello, onde asistín á mostra dalgúns dos espectáculos teatrais que alí se presentaron, tres deles coordinados por esta docente: “A estrela Volarina na torre Coralina”, da miña autoría, “A Cea”  de Els Joglars, e “O embruxado” de Valle Inclán, levadas á escena por intérpretes de diferentes idades, abarcando a infancia, a adolescencia e os adultos. Tres propostas dignas que encheron de ledicia aos asistentes. A imaxinación, o traballo e a entrega de cantos participaron nas propostas, que fago extensivas  a Yerma de F. G. Lorca,  baixo a dirección de Leonel G.Laborde, tamén profesor da Escola, reconcilioume cun tempo que xa cría esquecido da miña mocidade.
   
Federico García Lorca
       E seguindo esta crónica teatral debo engadir que, un café e unha conversación agradable na cafetería “La Negrita” con Ricardo Solveira, profesor da ESAD, Escola Superior de Arte Dramático de Vigo, propiciou que recibise una nova invitación, e tivese a fortuna de ser unha das  privilexiadas asistentes á función-proba final de fin de curso dun grupo de alumnos de primeiro de carreira. 
ESAD (Vigo)
       Meus ollos gozaron cunha amálgama de imaxes  de gran plasticidade que agromaron dun texto tan poético como rico en matices, escrito por una exalumna, onde se conciliaban con harmonía a interpretación corporal coa textual. Os meus parabéns a todo o equipo.

       Chegado a este punto, e tendo coñecemento de que na rúa Colombia de Vigo, da man dos nomeados Eva Vila e Leonel, baixo o amparo da asociación cultural Teatro Aforo, nacía un espazo teatral con vocación de obradoiro, sen renunciar á presentación de mostras teatrais esporádicas, e con aspiración de continuidade, achegueime durante dúas fins de semana consecutivas ao local.   
Arte Pingüe Teatro
Presentábanse catro microescenas, Caricia (Sergi Bebel), Anticorversas de Kareto Teatro (Patricia Meira), 36m3 de Arte Pingüe Teatro (José Mejuto), e  Peseta, Cabalo, Mazá (Aurel e Dafne Míguez), así como o espectáculo Microvidas, tamén de Arte Pingüe (José Mejuto), onde fun espectadora da diversidade interpretativa de alumnos mesturados con mestres,  propoñendo  pezas de corte dramático, a meirande parte de creación propia, e ofrecendo micromomentos de gran intensidade emocional.

       Para completar o círculo deste verán onde brilla a dramaturxia, tiven o atrevemento de regresar ás miñas orixes, naqueles tempos da xuventude onde gocei dabondo formando parte de Teatro Avento, agrupación que afortunadamente aínda hoxe sigue rulando e ofrecendo bos momentos de entretemento.
 
Escenografía de Gustavo Brito para Teatro Avento.
       Daquela, sabendo que o espazo recen inaugurado na rúa Colombia de Vigo baixo os auspicios de Teatro Aforo ofrecía varios obradoiros de interpretación durante o mes de xullo, enfocados tanto ao alumnado infantil como ao adulto (teatro de monicreques, interpretación ante a cámara, commedia dell´Arte, expresión corporal, iniciación á interpretación, e interpretación segundo a técnica de Chejov), decidín esquecer vellos prexuízos e participar nun deles. 
   
Anton Chejov
A miña elección foi Chejov. Da man habelenciosa de María Francelina, profesora da ESAD, durante vinte horas concentradas nunha semana, mergulleime na ousada tentativa de recrear durante uns minutos unha secuencia da vida da incombustible Bernarda de F.G.Lorca, onde a importancia da creación no residiu no texto, senón nas distintas atmosferas exploradas, e onde a máxima do obradoiro partía do concepto de totalidade. Xunto con A casa de Bernarda Alba, o resto do participantes achegáronse baixo a mesma premisa ao desconcertante mundo shakesperiano de Macbeth e Hamlet, así como a Esperando aGodot de Samuel Becket. Un gozoso atrevemento onde vibrou o traballo, o entusiasmo e as ganas de participar nunha actividade cargada de enerxía positiva, baseada fundamentalmente na exploración de distintas atmosferas para conseguir a creación dun personaxe. Un traxe á medida que, máis aló do ámbito teatral, transportoume e reconcilioume cunha etapa adormecida da miña vida.


       E non se me ocorre mellor xeito para  rematar este periplo estival que  propoñendo tres libros de teatro; recomendo vivamente a súa lectura, quizais máis doada nestes días, para moitos de lecer; un destinado aos lectores adultos, Chegamos a unha terra gris de Raúl Dans,  outro enfocado cara á infancia, Os reloxos preguiceiros de Néboa de Xabier Lama, ambos editados en Xerais, e o terceiro de monicreques, O punto da escarola  de X.A.Neira Cruz, editado en Baía Edicións; tres premios Barriga Verde de xa hai uns anos. Calidade dramática e bo verán de farándula!

                                                                                           AN ALFAYA

 



      

DESCUBERTAS FONOGRÁFICAS ( XIV ) . JOHNNY WINTER

$
0
0


Hai só uns días faleceu Johnny Winter aos setenta anos de idade, e con el foise un xeito moi persoal de entender e fusionar o blues e o rock. Con el foise o son potente dunha guitarra que bebeu na música negra pero que non buscou converterse nunha simple imitación dos grandes bluesmen que o precederon. Como o mesmo Winter lle dixo ao xornalista Marc Myers nunha ocasión, "eu tentaba tocar coma Muddy Waters e outros músicos do delta do Mississippi, pero tiña o meu propio estilo e non copiaba a ninguén. Comprendín ben cedo que o que diferenciaba a cada músico de blues non era a súa música, senón o seu sentimento". E este foi un credo que Winter endexamais esqueceu, adoptando o sentimento do blues máis puro pero transformándoo ao seu gusto cos ritmos rockeiros que tan ben coñecía e que dende sempre estiveron presentes na súa música. Winter morreu en Europa, onde andaba de xira, e con el vaise unha das grandes figuras do século XX no eido da música popular. Unha figura anovadora, si, pero quizais non tan recoñecida como a calidade da súa obra gravada merece.


Winter naceu—como non?—no estado de Mississippi en 1944, pero a súa familia mudouse axiña a Beaumont, en Texas, cidade dende sempre moi activa musicalmente, lugar no que conviven diversos estilos, e sen dúbida, a terra perfecta para que xermolase esa música híbrida pola que Winter sempre será lembrado. O seu irmán Edgar, que era albino coma el, compartiu a afección do pequeno Johnny pola música, e mentres Johnny se interesou pola guitarra, Edgar se decantou polo saxo e os teclados. Xa en 1959 gravaron un single, primeiro dunha serie de discos publicados por pequenos selos independentes ao longo dunha boa parte dos anos sesenta, ata que en 1968 a mestura de blues e rock que Johnny escoitaba no seu maxín había tempo cristalizou no seu disco The Progressive Blues Experiment, rexistrado en formación de trío, con Tommy Shannon ao baixo e John Turnerá batería. O elepé, editado tamén por unha discográfica independente, levaría a Winter a asinar con Columbia, dando paso así ao seu período de meirande éxito. Os sete discos que sacou entre 1969 e mediados dos anos setenta cóntanse entre os máis influentes dunha época inzada de traballos memorables e innovacións importantes dentro do rock. A aportación de Winter consistiu nunha síntese case perfecta de rock e blues, con ocasionais toques de rockabilly, marcada polos seus solos de guitarra de inesgotable imaxinación e impresionante velocidade, unha música auténtica que amosa a reverencia que Winter sentía polos pioneiros de ambos estilos. Como xa vimos, Johnny non copiaba, senón que fundía tradicións, modernizándoas pero sen perder de vista as raíces.


Johnny Winter con James Cotton (esquerda) e Muddy Waters (dereita)

Tamén en 1969, Winter deixouse caer polo festival de Woodstock, e dous anos despois publicou un dos seus discos que máis éxito obtiveron: Live Johnny Winter And, cunha banda que incluía a Rick Derringerá guitarra, Randy Jo Hobbs ao baixo e Randy Zá batería. Pero o bo rumbo que levaba a súa carreira a comezos dos setenta daría axiña un xiro negativo debido aos problemas persoais que Winter atravesaba, especialmente a súa adicción á heroína que provocou que tivese que tomarse máis dun descanso para tentar desintoxicarse. Iso si, os discos que editou trala súa volta aos escenarios en 1973 seguiron a ser ben recibidos polo público, e algúns deles inclúen temas escritos para Winter por John Lennon, Mick Jagger e Keith Richards, entre outros. A música de Winter nestes álbums destila influencias de todo tipo, pero sobre todo semellan evidentes as pegadas de clásicos coma B.B. King, Chuck Berry e Muddy Waters. Precisamente foi este último quen fixo que Johnny se interesase por outra actividade na que acadou un éxito notable: a de produtor. Comezando en 1977, Winter produciu catro discos de Muddy Waters para Blue Sky, unha subsidiaria de Columbia, e os dous primeiros (Hard Again e I'm Ready) gañaron sendos Grammys. Posteriormente, Johnny sinalaría estes catro elepés co lexendario bluesman, facendo gala da humildade que sempre o caracterizou, coma o mellor traballo da súa carreira. Pola contra, os discos que gravou coa súa banda cara a finais da década non responderon ás expectativas de vendas de Columbia, e polo tanto Winter pasou a meirande parte dos anos oitenta e noventa traballando para compañías independentes coma Alligator ou Voyager e concentrándose en tocar en vivo, o que non representou problema ningún para el, xa que sempre se sentiu máis relaxado encol dun escenario ca no estudio de gravación.


Aínda que os sete elepés que rexistrou para Columbia entre 1969 e 1974 (entre eles Johnny Winter, Still Alive and Well, Saints & Sinners e John Dawson Winter III) son moi recomendables, o que resulta realmente imprescindible é Second Winter, de 1969, o segundo disco que gravou para o selo, porque nel aparece con forza e por primeira vez ese estilo inconfundible que é marca da casa de Johnny Winter. Neste disco co seu trío primixenio podemos escoitar ese irresistible estilo mestizo de blues e rock comandado pola forza da súa guitarra en temas orixinais coma "Hustled Down in Texas", "I'm Not Sure" e "Fast Life Rider", ademais de rastrear as súas influencias en clásicos dos anos cincuenta coma "Slippin' and Slidin'", "Miss Ann", "Johnny B. Goode" e o "Memory Pain" de Percy Mayfield que abre o vinilo. Por outra banda, Winter asimila ao seu son o folk-rock dylaniano na súa excelente versión do "Highway 61 Revisited" do mestre de Duluth. Reeditado por Columbia/Legacy en 2008 nun CD dobre que contén tamén un concerto de abril de 1970 no Royal Albert Hall de Londres, trátase, en fin, dun álbum verdadeiramente redondo que debe explorar quen desexe saber quén é Johnny Winter. Agardo ter respondido nesta descuberta a esa pregunta—"Quen é Johnny Winter?"—, pero particularmente agora que xa non está connosco, o mellor xeito de respondela é escoitar o seu legado musical, obra dun home inquedo, un mago da guitarra que ten un lugar de seu entre aqueles selectos nomes do blues que enriqueceron o estilo ollando cara ao futuro sen esquecer o pasado.

Para rematar, o mellor tributo a Johnny Winter é poder observar o noso home en acción. Xa que logo, este breve concerto en Copenhague no ano 1970, co seu trío, dános a oportunidade de ver a Winter sobre o escenario, co sentimento e a elegancia á guitarra que están sempre presentes nas súas mellores aparicións perante o público. Gozade con el nestes vinte e tantos minutos cheos de blues de indubidable calidade.




                                       ANTÓN GARCÍA-FERNÁNDEZ

POLA MEMORIA HISTÓRICA CON POEMAS DE CLAUDIO RODRÍGUEZ FER

$
0
0


       Afirmo, guste ou non guste, que neste país aínda estamos en transición democrática. E pensar que algúns queren dar leccións de democracia! Hai que ser ousados.
       Existen exemplos abondos que retratan a realidade  ata extremos incribles e que demostran que non estou a afirmar barbaridade ningunha.

       Só por comentar algunhas cousas direi que existe un ministerio fiscal que, no canto de acusar, se converte en abogado defensor dunha infanta imputada e criminaliza o xuíz. Ver para crer. E sigo. Políticos corruptos que seguen nos seus postos (aquí non dimite ninguén), dirixentes que afirman algo e, meses antes, afirmaban o contrario. Non hai vergoña. E aínda queren dar leccións de moral. As hemerotecas están aí, son testemuñas nídias que non os arrubian. Recortes de dereitos acadados con sangue e suor ao longo de moitos anos, política difusa e displicente contra a inmigración, algo que nos enche de vergoña. Onde están os dereitos humanos? 
      


Un país no que a Igrexa máis retrógrada ten un peso antidemocrático evidente.A ley do aborto. Ai, as palabras dese tal Rouco…! Que medo! Cínicos! Un país no que non se poden ver os telexornais da televisión pública, manipulados ata a esaxeración. Impotencia. Noxo.



      
É preciso poñer nomes?
Paso por riba a Monarquía, sen falar dela. Abdicación, aforamento, información escura, présas para manter unha orde hipócrita. Non falo de Felipe VI, nin da posibilidade dunha República, nin de campañas organizadas para desprestixiar aqueles proxectos, máis ou menos ilusionantes (Podemos), por parte da dereita ultramontana deste país,da prensa ultraconservadora ao seu servizo, e doutros xornais que, cada vez máis, vanse escorando á dereita. (El País, por exemplo).
        
E, malia todo, creo na clase política, pois na sombra hai milleiros de persoas que están a traballar con honestidade para que a cousa pública funcione. Son os que non saen nos xornais, os que detestan o que está a suceder, os que semella que non existen porque o seu labor fai menos ruído. Os políticos son necesarios. Non quero tecnócratas nin, xaora, salvapatrias. Quero ideoloxías que humanicen esta sociedade aletargada.
       Un país no que hai aeroportos sen avións, delitos probados e non pasa nada! Un país que encabeza as listaxes máis vergoñosas de pobreza real (Cáritas, dixit). Un país que cos retallos decididos polos que mandan (mandan?) están a empobrecer os cidadáns máis necesitados e están a cargarse unha clase media, cada volta menos media.


      
                   Mellor, deterse aquí e ir polo vieiro que tiña marcado.
       Chego a onde quería chegar: á Memoria Histórica. Que triste ver o mapa de rúas da capital do Reino ateigado de nomes de personaxes e feitos relacionados co franquismo (Xeneral Mola, Yagüe, Arriba España, Xeral Moscardó…) perante (e isto si que é preocupante) da indiferenza da xente.


       Que triste constatar que os políticos do PP, e o propio PP, non se atreven a repudiar a a ditadura franquista e a figura do ditador. Isto é democracia?

       Estou farto de frases como “Hai que pasar páxina”, “non podemos estar sempre a mirar atrás”, “tamén houbo barbaridades no bando republicano”, “deixemos os mortos en  paz”. Tremendo.

       E lémbrome das igrexas da miña infancia e mocidade con listas de nomes con símbolos fascistas, coa cruz e co lema “Caídos por Dios y por España”
                        Que noxo! Que abuso! Que descaro! Que inxustiza!
      

        E a carraxe sobe de ton cando escoito a un político do PP, o “ínclito” Rafael Hernando, do partido no goberno, afirmar “que moitos se moven e teñen interese de saber dos seus país cando hai subvencións”. Horror! E o seu partido, repito, no goberno, non o obriga a dimitir nin sequera a pedir desculpas. Que falta de respecto!


        

        Non penso descualificar a clase política. Reitero o dito anteriormente. Nunca entrarei nese xogo que a tantos lles encanta para meter a todos nun mesmo saco.
        

          Así que, un día (xa entrada a noite) paseando polo centro de Cangas (había moito tempo que non o facía) deime de fronte cun pequeno monumento que me emocionou. Ía frío pero quecín por dentro.
       
         Dedicado ás vítimas da represión e na lembranza das liberdades, presentaba este texto do poeta Claudio Rodríguez Fer:

                Que o libre voo das pombas da paz erga para sempre a memoria solidaria das xentes xustas que o deron todo pola liberdade e a xustiza.
              Pombas! Pombas!! Pombas!!!

       Non o puiden evitar e pedín a un amigo que me fixese una fotografía diante del.                 
       

              Viñéronme á mente demasiadas cousas. Volvín á miña nenez nuns segundos. E sentín o engano, a mentira ben orquestrada, a manipulación, a dor; sentín, de novo, a historia artificial, ruín e falsa na que me fixeron vivir durante tanto tempo entre a miña familia, a igrexa coa relixión coma bandeira, a educación recibida e os muros que estaban a pór diante de min durante anos e anos, nos que case me volvo tolo.


           E respirei fondamente. Aire fresco envolveu os meus sentimentos.
        
                
Claudio Rodríguez Fer
Claudio Rodríguez Fer,
coas súas palabras tan directas e ben empregadas, fíxome sentir menos solitario.
       Notei una satisfacción ao pouco tempo. Esvaeceran as lembranzas.

        Cando cheguei á casa, volvín a ese cívico poemario “Ámote vermella” (que xa estivo presente neste blog hai unas datas) e volvín a emocionarme coas súas homenaxes a tantas mulleres que loitaron ata a extenuación polos seus dereitos. Loitas sen conto. Loitas con consecuencias funestas. E esas cinzas deberían servir para asentar as bases dunha sociedade democrática, limpa, que recoñecese as accións de tantas persoas que creron nun ideal de vida, para eles/as, para os seus, para todos e viron coutadas as súas forzas pola crueldade e polas paredes abafantes que levantaron diante deles e delas para enmudecelos, agochalos e que fosen esquecidos.
        

         Unha sociedade hixienicamente aberta non pode permitir semellante desatino. Xa está ben de deixarse manipular, someter, adurmiñar. Están a tentar facer cidadáns planos, sen ideas, acomodadizos, que non pensen. Que alimenten o seu espírito de aire, de nimiedades, de fruslerías. Están a ocultar o importante a reflexión crítica, a acción, a rebeldía, a loita pola xustiza para guiar a nave polos mares que eles teñen sucados dende sempre. Queren unha sociedade funcionalmente analfabeta que se alimente de actos chocalleiros e, xaora, á marxe de feitos culturais con peso específico.


       Por iso, boto man de Claudio Rodríguez Fer e sinto arrepíos cando leo a dedicatoria do poema “Inscripción para unión libre”.
                             
                     
                         A María Vázquez Suárez, mestra socialista en Miño, torturada e asasinada na praia de Bañobre (Miño) o 19 de agosto de 1936, acusada entre outras cousas de postular a escola laica e o amor libre, así como de enterrar a súa nai sen rito católico.
                           E a todas as mulleres perseguidas por ter ideas de cambio e de progreso.
        
Ilustración de Sara Lamas

Asasináronas,
máis sempre estarán vivas en nós.

Encarceráronas,
mais sempre estarán libres en nós.

Exiliáronas,
mais sempre estarán dentro de nós.

Acaláronas,
mais sempre falarán para nós.



       Como para pasar páxina, non querer ver cara atrás e ler/escoitar tantas necidades que os insensatos van deixando nos medios, nas conversas cotiás, perante a indiferenza de moitos e a insensibilidade de tantos outros.
       Dá gusto ler un poemario coma “Ámote vermella”, no que as mulleres loitadoras toman o protagonismo que tanto lles roubaron (e seguen a roubar), malia a súa loita por una sociedade xusta e libre. E aproveito para reler algún poema do poeta lucense. Abro o seu poemario A boca violeta e leo:


DESDE A NADA

Ti ves brotar en min reconfortante
espirais de violeta en castro celta
ou praias caracolas no burato da loia.

Desde agora coñeces toda  xénese
o arrebato de amor á natureza
que concibe estes versos que son vida.
A creación intuida nos teus ollos
ensinoume de min a perspectiva
e viu nacer o poema desde a nada.

A espiral da violeta é flor de pedra
que cultiva Galicia no meu dentro.

              Fermoso poema, en verdade. Aproveito para ler de novo o poemario, que data de 1987.



                   
                   Volvo a Ámote vermella para rematar estas liñas crispadas con outra  pequena mostra poética, “As tolas soñando”, dedicada “ a todas as mulleres que tolearon de dor” (ademais do investigador X Luís Axeitos).

Ilustración de Sara Lamas.

Perderon ata a razón,
o único que lles quedaba.

Pero non perderon o amor
que quixeron quitarlles.


        

            Que sintan vergoña (terana?) todos aqueles que seguen a mirar para outros lados diante de tanta atrocidade, diante de tanta inxustiza.. Que lles batan estes versos nos seus corpos ata desarmalos.
        

             E, a ver se,copiándolle a expresión a Aníbal Malvar, deixa este país de ser “intelectualmente desenvolvido” dunha vez por todas.
       A inxenuidade, pola miña banda, que non falte.

                                                                                                            ANTONIO  GARCÍA TEIJEIRO

A FABULOSA LOUCURA JAZZÍSTICA DE "FOOLMAKERS".

$
0
0


        Son Foolmakers. Si, “artesáns da loucura”, máis ou menos. Coñecinos nunha conversa con Luis Vila e coa magnífica cantante, Pilocha, hai uns días.
Pilocha
         Levo ben anos coincidindo con eles no Festival de Jazz de Pontevedra. Sabía quen eran, dende que Pilocha participara nun traballo fenomenal de Antón Seoane, que musicou poemas infantís, algúns meus.E antes das  actuacións de Richard Bona e Eric Bibb, nesta edición, falamos o que non falaramos tempo atrás. Foi un auténtico pracer.
         
        E Luis contoume a experiencia de Foolmakers. Un proxecto marabilloso que naceu, case por casualidade, en Lugo, no mes de xaneiro de 2013. Catro psiquiatras e un músico profesional reúnense para formar un grupo de jazz. Toma corpo a partir da amizade de Luis Vila e Carlos Doval.

Luis Vila
    (Así nacen os grandes grupos. Lembrade os Beatles, por exemplo. Amizade entre dous).
No servizo de psiquiatría do HULA, hai uns médicos con inquedanzas musicais. Luis Vila lanza a idea e xúntanse con Doval para tocar. Ensaian, existe química entre eles e axiña comezan a participar nas “jam sessions” que organiza a Escola Fábrica de Sons no club Clavicémbalo na capital lucense.

               A partir de aí, todo encaixa perfectamente. Conceptos como “clases de harmonía de jazz”, “amizade”, “paixón pola música”, “composicións”, “galego”, “standards” etc. van uníndoos día a día.
        "Son un gigoló". Foolmakers no Café Jam Session de Ourense. Convidado, Cleto González.
        
        Clubs coma El Cercano (Ourense), Clavicémbalo,Dado Dadá (Santiago de Compostela), Joana´s Place (A Coruña), por exemplo, son testemuñas da categoría dun proxecto ilusionante.
        
        Soan moi ben. Son orixinais. Polo que non é de estrañar que este ano 2014 vaian tocar  nun dos concertos das Festas de San Froilán en Lugo.

                          "St.Louis Blues". Foolmakers no Café Jam Session de Ourense.
        
        O seu repertorio está formado, basicamente, por temas standards de jazz, algún bolero ou bossa nova e versións cun toque jazzístico de temas de Lou Reed, The Beatles ou Pilocha (fermosísima a versión que fan d´O sancristán de Coímbra) quen subiu con eles ao escenario nunha ocasión e, estamos seguros, non será a última.


Lou Reed


                Debemos salientar que a meirande parte dos temas deste repertorio son traducidos ao galego, cambiando as referencias orixinais por outras más próximas á nosa actualidade e á realidade de Galicia. Todo isto, dende logo, tinxido de ironía e retranca.
Ella Fitzgerald
        
        Actualmente, teñen montado un espectáculo titulado “Cancións de amor e sornaswing”, no que interpretan clásicos de Ella Fitzgerald e Billie Holiday, temas de películas como “Put the blame on Mame” de Gilda ou “I wanna be loved by you” de Con faldas y a lo loco e outros máis, todos, iso si, en galego e con esa retranca nosa que os fai moi atraentes.
       "Toda a culpa é dela". Foolmakers no Club Clavicémbalo de Lugo.Festival Jazz.2013
        Son Foolmakers(ou como os chaman popularmente “os psiquiatras”) un grupo musical curioso, orixinal e digno de gozar con el.
         

        Un grupo de jazz formado por Paula Cores (voz), Luis Vila (piano, teclados), Isidro Gómez (batería), Luis González (guitarra e voz) e Carlos Doval, o único músico profesional, que toca o baixo.
         
        Versos e aloumiños, sempre preto daqueles proxectos artísticos que pagan a pena, ofrece Foolmakers aos seus lectores/as  para que coñezan de preto o moito e bo que se fai neste país noso.
        Deseguido, podemos entrar no mundo de Foolmakers, se vemos esta reportaxe que realizou a TVG. Interesante.
          
            Que a "loucura" do jazz siga viva coa música destes fabulosos artesáns.

                                                                                                               ANTONIO GARCÍA TEIJEIRO

ESCRIBIR POESÍA PARA OS NENOS. QUE PRACER!

$
0
0



Escribir poesía para os nenos.
Que pracer!
Un sabe que está a facer aquilo
que lle dita a emoción.
Dedicatoria de Tesa González para o autor.
Sabe que, sen esa emoción, os actos
creativos son fríos, non penetran na
esencia das persoas.
E aínda que non sexan conscientes, esas
persoas precisan da arte en calquera
das súas múltiples manisfestacións.


Escribir poesía  para os cativos.
Achegarlles o espírito de Lorca, Alberti,
Juan Ramón, Rosalía, Machado, Celso Emilio,
Pimentel, Curros, Manuel María e tantos  outros.
Que pracer!
Ilustración de Tesa González.
 
Salientar as pequenas cousas, levalos a recunchos
tan comúns coma marabillosos, enchelos
de cor, de auga limpa e cristalina; levalos
polas sendas da natureza, cantarlles en voz alta,

xogar con eles á rolda, convidalos a rir, a sentir,
a imaxinar, a que valoren a maxia das palabras,
a que se fixen nas miudezas, a encherlles os sentidos
de mar, de luz, de vida.
Levalos da man polo suxestivo mundo da música,
pola  musicalidade dos versos, polo ritmo dos poemas.
Que pracer!


Hei recoñecer que gozo
cando escribo poesía infantil.
Que me emociona o labor
de mestres e mestras (máis mestras que
mestres, iso é certo), de bibliotecarias,
de persoas que están convencidas
do valor da poesía na formación
dos cativos e cativas.


Un non escribe para os premios.
O premio máis marabilloso é aquel
que recibes, cando unha mestra che
dá as grazas polo que escribes.
Un premio é a ilusión dun rapaz
ou rapaza por dicirche que sabe e que
lle gustan os teus poemas.
Un premio é esa ollada infantil,
chea de tenrura, mentres recitas.
O premio está en axudar a conseguir
que os adultos lle perdan o medo
á poesía. A que os nenos sigan a
ser felices no mar poético. (Porque
o son, eh? Iso que non o dubide
ninguén).

Por iso, se a crítica celebra os teus poemarios,
faiche ilusión e, cos pés no chan, debe servir
ese recoñecemento para
seguir traballando a prol desa tarefa
ardua e  gratificante á vez.
Agradezo as críticas de Antonio Gómez
Yebra en "SUR"e das revistas PEONZA e CLIJ,
por prestaren atención a “Queda la música”.
Agradézoa, sobre todo, pola poesía
en si mesma.
Amosan esas recensións unha indiscutible
sensibilidade polo xénero poético (Gómez
Yebra é un magnífico poeta e editor).
 
Luis Eduardo Aute con "Queda la música" na Feira do Libro de Madrid.

E está ben que se fale de poesía.
Ten que saír desa invisibilidade,
que na LIX é un feito, para que
chegue a ser máis próxima aos lectores.
Quedo coa afirmación das liñas de Diego
Gutiérrez del Valle en PEONZA, cando di
que estes poemas “reclaman ser lidos
en alta voz para extraer ata
o derradeiro eco das súas vibracións
e que, dese xeito, poidan chegar
ata o oído e o corazón do lector”.
Atinadas palabras, porque eu
veño mantendo, dende hai ben tempo,
a necesidade de que a poesía
debe entrar nas aulas, nas casas,
nas bibliotecas en voz alta.



Decidín engadir, de novo, dúas cancións
do libro, postas en música polo
excepcional poeta, Juan Carlos Martín
Ramos e Lurdes López, a súa muller,
que as canta cunha sensibilidade e unha tenrura
exquisitas.


Que a poesía sexa, dunha vez  xa,
ese instrumento que marque o ritmo
emocional e dea vida
ás sonatas dos nosos soños.


NO COMEZO FORON LAURINDO E BUD : A PREHISTORIA DA FUSIÓN DA BOSSA NOVA E O JAZZ

$
0
0
Cando pensamos na fusión cos ritmos procedentes do Brasil que rexuveneceu e enriqueceu o jazz na segunda metade do século pasado, outorgámoslle o copyright da idea a Stan Getz, João Gilberto, Antonio Carlos Jobim e compañía, especialmente en virtude dos varios e magníficos discos deste tipo que Getz gravou nos anos sesenta. Pero xa en 1953, unha serie de sesións en formación de cuarteto lideradas por Bud Shank co seu saxo alto e Laurindo Almeida coa súa guitarra prefiguran xa o son que Getz patentaría uns sete ou oito anos despois. As devanditas sesións veñen de ser reeditadas polo selo británico Jasmine Records nun disco que leva por título Brazilliance vols. 1 & 2 e que resulta absolutamente imprescindible para comprender as raíces desa fusión que revolucionou o jazz e mesmo o pop a partir da década dos sesenta, pero que Shank e Almeida xa idearan había tempo, aínda que sen acadar o éxito de Getz e os seus camaradas. Este disco ofrécenos hoxe a oportunidade de repasar brevemente como ocorreu todo.


Bud Shank e Laurindo Almeida no club The Haig
Laurindo Almeida, guitarrista e compositor carioca de enorme talento, chegara a Os Ánxeles a finais dos anos corenta, e non lle levou moito tempo conseguir traballo coa orquestra de Stan Kenton, quen tiña sempre os oídos ben abertos a calquera son que lle parecese diferente e moderno, e que ademais estaba por aqueles anos a experimentar cos ritmos latinos. Almeida converteuse axiña nun dos alicerces da orquestra de Kenton, non só como instrumentista, senón tamén como compositor. Pouco despois, o guitarrista entrou en contacto con Bud Shank, un dos mellores saxofonistas da Costa Oeste, cuxo legado discográfico merece, na miña opinión, máis atención da que ten suscitado. Aí naceu a idea de mesturar os choros e outros ritmos tradicionais brasileiros co jazz, cousa que non sempre resultaba doada debido a que algunhas das melodías aportadas por Almeida non se prestaban con facilidade á improvisación. Entre 1953 e 1954, Almeida e Shank, acompañados por Harry Babasin ao contrabaixo e Roy Harteá batería, rexistraron unha manchea de temas que fundían o jazz e a música brasileira. O repertorio incluía revisións de standards coma "Speak Low" ou "Stairway to the Stars" dende o novo achegamento melódico, algunha canción latinoamericana coma "Acércate Más" e, sobre todo, orixinais de Almeida e outros compositores brasileiros, coma "Atabaque", "Inquietação" e "Blue Baião". O resultado deste encontro entre Almeida e Shank foi publicado polo selo World Pacific baixo o título de Brazilliance, e o grupo tocou brevemente no club The Haig, e semellaba que a cousa non pasaría de aí.


Laurindo Almeida nunha fotografía de William Gottlieb
Pero poucos anos máis tarde, en 1958 e 1959, os dous reuníronse de novo, desta volta xunto a Gary Peacock ao contrabaixo e Chuck Floresá percusión para gravar unha segunda entrega, que sería editada unha vez máis por World Pacific cos títulos aleatorios de Holiday in Brazil e Brazilliance vol. 2. O certo é que estas sesións non difiren moito das primeiras: volvemos atopar versións de standards ("Little Girl Blue", "I Didn't Know What Time It Was"), pero os solos de Shank ao saxo alto e á frauta son agora máis longos e máis jazzísticos, e a énfase recae sobre as composicións propias de Laurindo en Bud, pequenas marabillas coma "Nocturno", "Mood Antigua" e "Lonely". O propio Shank non considera que ningunha destas gravacións sexan bossa nova no senso máis estricto do termo, pero non hai dúbida de que a fusión do jazz e a música brasileira que tan prominente chegaría a ser poucos anos despois xa está aquí presente, aínda que sexa nun estado embrionario. O CD editado por Jasmine Records—que contén os mesmos temas ca unha edición anterior da discográfica Poll Winners—fai posible que gocemos cunha música evocadora e ás veces mesmo melancólica, marcada por un son anovador e experimental absolutamente atraente e irresistible. Laurindo Almeida faleceu en 1995 en California, pero a mediados dos anos setenta tivo aínda tempo para poñer unha coda a esta historia, ao xuntarse de novo con Bud Shank para formar o grupo The L.A. Four, un conxunto que produciría para o selo Concord oito novos álbums en oito anos utilizando como base a linguaxe musical que ambos os dous crearan nestas históricas sesións vinte anos antes.




                                            ANTÓN GARCÍA-FERNÁNDEZ

A POESÍA DE PERDAS E AUSENCIAS DE BENITO PÉREZ FERNÁNDEZ.

$
0
0


Benito Pérez Fernández
     Hai persoas que posúen unha  potencia creativa verdadeiramente enorme. Unha forza interior que as permite crear dende o máis íntimo.
     
      E hai, entre elas,  persoas cuxa diversidade brilla, porque son quen de tocar paus  variados no eido da cultura.
      
     Algunhas escriben; outras tocan instrumentos, fan música, dan pasos na poesía e debuxan ou pintan de marabilla.
      
     
     Benito Pérez Fernándezé unha destas persoas, capaz de tocar a frauta traveseira ou os teclados, de pintar óleos ou acrílicos, de debuxar maxistralmente e de expresar con fondura os seus sentimentos.
     Benito Pérez fixo ultimamente dúas exposicións (Cangas de Morrazo e Santiago). Un éxito.
      
     Pero Benito Pérez viviu un tempo moi duro, debido a un caso grave de enfermidade no contorno familiar. Loita, pasos cara adiante, retrocesos, esperanzas, novos camiños, máis esperanzas, tensións, angustia…a loucura!
     Daquela, chegou a man de neve e levou con ela a Merchi.
      
     Benito é un ser intelixente e sensible. Deixou de pintar durante todo o difícil proceso. Foi asimilando todo ata un punto demasiado fondo. E rachou. E ergueuse. Reflexionou. Interiorizou. Con persoas, que o queremos, ao seu redor, Benito non deixou de buscar, quizais de buscarse; de intentar non caer no pozo do irremediable e levantar a cabeza. Procurou o equilibrio. Non foi doado. Penso que o conseguiu.
      
      Un dos apoios neses momentos de baleiro emocional foi, sen dúbida ningunha, a poesía.
      
     
Non me estraña nada, pois o espírito poético, dende a lectura ou a escrita, permite reencontrarse coa esencia do ser humano dende o punto de vista subxectivo e ese “eu”, en contacto con todo aquilo que forma a contorna , vai recibir as doses de compaña necesaria para continuar a travesía polo terreo da vida. É un bálsamo. Un alivio que nace da necesidade humana de reflectirse nas moitas arestas que o día a día presenta. Sénteste menos só cuns versos na man, cuns poemas que acariñan e dan forza para superar as malas épocas sufridas con intensidade.

       Iso fixo Benito Pérez. Escribir poesía para sentir a catarse necesaria perante a dor da perda.
      
       Así naceu Sendas, un manuscrito composto por poemas fondos, intensos. Poemas de diálogo, de lembranzas. Poemas sen fatalismos nin desacougos excesivos. Pero, por riba de todo, poemas necesarios.
     Leunos nunha fermosa noite de verán na miña casa, durante unha desas veladas poético-plástico-musicais que facemos de cando en vez. Deixounos mudos.
     Emocionounos. Leu con sentimento e naturalidade á vez.
      

Pedinlle unhas palabras para  Versos e aloumiños sobre o que o levou a escribir estes poemas.
      
      Benito escribiu isto:

     Envíoche estas reflexións sobre o poemario.
Cando xa non sabes como xestionar a dor, e a ausencia non che permite vivir.
Cando o sufrimento se fai insoportable , e as emocións transfórmanse  nun remuíño incontrolable , necesitas visualizar estas emocións para poder seguir.
Por iso escibín estes poemas
Tamén tento reflectir aquilo que me produce sosego e tenrura , sen esquecer esa crítica necesaria a esta sociedade que nos tocou vivir.

    
     Pódese engadir algo máis a estas palabras tan emotivas e sinceras?
     Penso que non.
     Mellor será ler uns poemas de Sendas e comprender ata que punto a ausencia dun ser querido, o compromiso ético e a calidade literaria poden convivir nun espazo escrito para sobrevivir.




Pintura de Benito Pérez Fernández.
Quéntome coas verdades
escritas nas estrelas,
para sobrevivir no misterio
deste caos harmónico.
Sintonías inaudibles
achegan do máis profundo
anacronismos que corroen
este corazón canso.
Loita desigual.
Escepticismo depredador.
Imaxes xustapostas,
dunha lírica
prisioneira do silencio.





Pintura de Benito Pérez Fernández.

A mística perversa da violencia
evoca accións abxectas,
cerimoniais iniciáticos,
circunscribindo espazos letais.
Vontades degradadas
comproban a masacre:
certeza da sen razón.






Pintura de Benito Pérez Fernández.

Carraxe nas veas,
inmolación perfecta,
nomenclatura do perverso.
Arritmias disuadindo
o pulo construtivo da crítica.
Canción de berce
para un mundo
en fase terminal.
Homenaxe póstuma.









 
Olladas de anguria
que queiman,
que abrasan.
Corazóns azoutados
pola vertixe da perda.
Sentín o salouco
dunha dor sen consolo,
perpetuando cada intre,
como pegada inevitable.






                                                                                                          ANTONIO GARCÍA TEIJEIRO
                                                              

LA BIBLIOTECA DEL MAR DE JUAN CARLOS MARTÍN RAMOS

$
0
0


      Canto me seduce o mar!!!
      Ese mar que aparece a miúdo nos meus libros, sexan cales sexan os destinatarios.

      Ese mar que lin e ulín nos poemas de Rafael Alberti, Manoel Antonio ou Bernardino Graña entre moitos outros.

      Ese mar no que me mergullo con deleite e que agocha tantos segredos inconfesables.
       
      Cada vez que deixo a cidade, sinto desexos profundos de levar comigo a voz do mar, os seus abalos, o seu embruxo, as súas verbas, os seus silencios, as súas carraxes. E , se hei de ser sincero, algo levo na maleta dos seus ecos indescifrables. Axiña desexo voltar para abrazalo e pasar longo tempo arrolando a súa nudez.
       
      O mar é un sentimento invisible dos poetas, feito palabras.
       
      Por iso, cando un deles, o meu querido e admirado Juan Carlos Martín Ramos, visita esta Galicia nosa, non deixo de levalo á súa beira para que fique enfeitizado polo seu son, pola súa cor, polo seu canto.
       
      Así foi hai un mes, e así será cada vez que as persoas que cheguen onda min  desexen penetrar no máis fondo do sentimento mariño.

      Juan Carlos Martín Ramos, malia ser de terra adentro, ama o mar.
       
      Na súa visita, acompañado da entrañable Lurdes, a súa muller, deixou versos na area da praia de Melide escritos cunha pluma de gaivota; versos que ese mar fixo seus e que soan nas noites de verán cando os mariñeiros están a faenar e as sereas comezan a pintar peixes de papel de prata.


      Pero Juan e Lurdes pasan cada verán, no mes de xullo,uns días nun mar diferente e distante do noso. Doñana, Matalascañas, Huelva convértense durante un tempo no escenario único do poeta e da súa familia.
       
       E Juan, coa súa inseparable Lurdes, montan en barcos de ilusión, navegan buscando horizontes infinitos e chegan a falar co mesmísimo capitán Garfio, que vén do País de Endexamais para parolar con eles.
(Foto de Juan Martín López)

      Daquela, Juan escribe poemas. Déixase acariñar polo perfume das ondas e escribe. ¡E como escribe!
       
      Juan non se esquece dos amigos.
       
      Sobre todo daqueles que sabe que, coma el, aman o mar.
       
      E envíalles algún poema.
       
      Isto foi o que me aconteceu hai algunhas datas. Recibín un poema do mestre. Un poema humorístico, que relaciona o libro co mar. Si, si, fálanos dunha biblioteca mariña. Unha delicia e, unha vez máis, unha declaración de intencións. O libro coma obxecto e símbolo de liberdade.
       
(Foto de Juan Martín López)
      Versos e aloumiños comprácese hoxe en publicar este poema. Unha mostra máis da categoría humana e creadora deste home nacido na provincia de Córdoba, que traballa en Fuenlabrada e vive en Ugena, na provincia de Toledo.
       
        Ata alí, ata Ugena, no peto do pantalón, vén levando ese mar excitante ano tras ano.
       
(Foto de Juan Martín López)
       Un tesouro que Juan quere compartir con aqueles que senten o valor dos versos e o feitizo do mar. Teñan o mar lonxe ou téñano preto. Tanto ten.
     
       


        Como escribía Rafael Alberti:



Me asomo a los balcones. Desde cualquier balcón,
aunque el mar no me vea,
yo siempre veo el mar.



                    

                                              
                                                                     
                         UNA BIBLIOTECA EN EL MAR


                            
                           Hay una gran biblioteca
                           por el mar de las Azores,
                           pero está en un sitio raro,
                           el vientre de un cachalote.
            
                           Hay libros de todo género
                           sin orden ni estanterías.
                           Abrazado a un calamar,
                           flota un libro de poesía.

                           ¿Tantos libros son los restos
                           de un naufragio entre las rocas
                           o el tesoro de un pirata
                           que los tiró por la borda?

                           Quién sabe, pero se cuenta
                           que el cachalote, en ayunas,
                           se los tragó al confundirlos
                           con un banco de merluzas.

                           Nadie puede entrar a salvo
                           a este templo del saber,
                           ni siquiera una sirena
                           que quiso hacerse el carné.

                           Nadie, pero el cachalote,
                           cuando sale a respirar,
                           suelta un chorro de palabras
                           que se esparcen por el mar.

                           Y, a merced de la marea,
                           a una playa llega un cuento,
                           a otra llega un diccionario,
                           a otra llega un verso suelto.

                           En esta gran biblioteca
                           tan lejana y submarina,
                           los libros, para ser libres,
                           navegan a la deriva.                                                          
           


Juan Carlos Martín Ramos. Mar de Huelva. Corazón de Lorca. (Foto de Juan Martín López)
  

                                                                                                         ANTONIO  GARCÍA  TEIJEIRO











ANTONIORROBLES MERECE MÁS RESPETO.

$
0
0


    
Así se honra a un gran escritor.
Alucinante, sencillamente alucinante. En este país puedes encontrar las barbaridades más grandes en muchos campos, pero en los de la cultura…
      
     Llegué por casualidad un día a Robledo de Chavela, un pueblo de la sierra madrileña que me sonaba mucho por algo.
     Le pregunté a mi amigo qué había por esos lares que me pudiera sonar. No era capaz de recordar. Desde luego, era algo que me había llamado la atención en el pasado. En el franquismo. 
     Y él, mi buen amigo, me sacó de dudas:
      
     -En las afueras de Robledo– me explicó-, está la base de seguimiento de satélites de la NASA y el INTA (Instituto Nacional de Técnica Aeroespacial).
      
     - Efectivamente– le contesté. Ya me acuerdo.  En esta estación se recibió la primera fotografía de la tierra vista desde las cercanías de la luna.
     
Antoniorrobles

      Todo esto viene a cuento porque mi amigo me contó que en este pueblo había una placa dedicada a Antoniorrobles que estaba en un estado lamentable. Me dolió y mucho. Entonces le insté a que me la mostrase, pues quería hacerle una fotografía. Así fue.
       
     El día anterior me contó mi amigo que el gran escritor había nacido en Robledo de Chavela. Más tarde, el exilio, en México y, por fin, en El Escorial.
      
    



     Cuando llegamos al lugar indicado, me cayó el alma a los pies. ¿Cómo se podía ser tan insensible? ¿Así valoramos a alguien que fue pionero, antes de la guerra, de un enfoque abierto de la  LIJ? Y si le pusieron una placa ¿por qué no la han mantenido en buenas condiciones? Asco y rabia sentí delante de lo que estaba viendo.




      
    
¿Dónde está la casa?
Leí avergonzado:  “En esta casa nació…” . Busqué la casa. No existía. Un solar con maleza aparecía detrás de la placa, oxidada, sucia, de difícil lectura. Allí sí, debió de estar la casa donde vio la luz el genial Antonio Robles Soler (1895), autor de cuentos llenos de humor, quien a instancias de un amigo comenzó a escribir para los pequeños. Un encargo sirvió para dar a conocer a alguien que tuvo que marchar a México tras el fin de la guerra civil y que fue publicando sus escritos en las páginas de las revistas y los periódicos infantiles más importantes entre 1925 y 1936.
      
Jaime García Padrino
     Como dice Jaime García Padrino: “Antoniorrobles quería terminar con las guerras entre los hombres, aunque para ello fuese necesario cortar los cables del teléfono y patear las palabras de una desgraciada decisión de guerra… O hacer que unas jirafas creciesen, no para luchar mejor contra la aviación enemiga, sino para pilotar él mismo una avioneta desde la que dar unos toreros capotazos a esos crecidos animales…”  Y añade el gran investigador:  “Tampoco le hubiese gustado a Antonio vencer al enemigo cuando éste estaba a su merced para no aprovecharse de unas condiciones desiguales. Fue un hombre que  siempre creyó en la llegada de un día  en el que todos ´aprendamos  a perdonar para que ya no haya  que perdonar a nadie ´ ”.
     

      De él, Ramón Pérez de Ayala dijo en su momento: “Es el primer escritor infantil: incluso en el sentido del único. Pero por muchos que vengan detrás es difícil que le oscurezcan”.
      

      Cristóbal de Castro, escritor y político cordobés de la época, comentó: “Recoge la ternura sencilla y clásica de Andersen y la nueva y compleja de Tagore”.
       

     Esteban Salazar y Chapela escribió: “Porque Antoniorrobles no se acerca a los niños con tono pedagógico, sino simplemente jugando”.
      
     Y el gran Cansinos Assens dijo de él: “Manejando imágenes de poeta, un joven escritor de entre nosotros – Antoniorrobles- ha escrito un libro que le ha granjeado un amplio círculo de pequeños lectores”.
      
     Antoniorrobles  dejó en sus libros personajes tan atractivos como la bruja Doña Paz, Don Zas Tinoco, el cabo Pipa, Felipote Redondo “Gordinflas”, la Princesita Plata y el Príncipe Rosquilla entre muchos otros.
      
     Regresó en 1972 a El Escorial donde, como dice García Padrino “le gustaba recibir a sus amigos en la salita de la casa familiar, lugar en el que evocaba, con sus ojos ya sin luz, anécdotas curiosas, en las que el humor y el alma siempre infantil de Antonio se enredaban juguetonas entre las personas y los objetos de la habitación”.
      
     Allí murió en enero de 1983 sin hacer ruido.
     En 1932 le fue concedido el Premio Nacional de Literatura, por una obra capaz de arrancar crueldades y acercarla hacia la bondad y el buen humor. Alguien, capaz de cambiar la literatura para los pequeños (y los no tan pequeños) enfocándola hacia los parámetros de la ternura, la crítica y la inteligencia.
      

     Bien, pues a un hombre de esta altura no se le puede hacer mayor desprecio que el que viví en persona en Robledo de Chavela. Aún no salgo de mi asombro. Es, entonces, cuando uno comprende el nivel cultural de gobernantes y el desconocimiento de las personas lisas y llanas de los autores/as que aportan sentido a la vida. Todo ello se traduce en el vergonzoso índice de lectura de un país que se dice avanzado. Para reír y llorar. Un escándalo, que pasa desapercibido para la mayoría, pero no para aquellos que creemos que la lectura es un bien cultural, humano y sus escritores y escritoras, son seres que merecen el mayor de los respetos.
      

      Vaya desde aquí, desde Versos e aloumiños, nuestro más profundo homenaje a uno de los escritores de esa literatura tan ignorada, pero de tan alto nivel literario, que es la Literatura Infantil y Juvenil. Gracias a personas como Antoniorrobles, aunque a muchos les duela o sean unos ignorantes supinos, la literatura para los pequeños tiene un valor infinito.

     Unas líneas de este gran escritor cierran este artículo, recuerdo entrañable para todos nosotros.
    


      Estaba enamoradísimo de la Princesita Plata el Príncipe Rosquilla, alegre también y simpático; pero que a veces se ponía der muy mal genio, cuando lo contrariaban.
   Rosquilla gobernaba una nación vecina, cuyo nombre era Caracolcoles de la Mancha, donde el Príncipe y unos cuantos amigos cazaban cebras con red y elefantes con cañas de pescar desde las copas de los árboles(…)
                         (De La princesita sin par y las hojas sin afeitar. Ed. Miñón)

            
                                                                                                             ANTONIO GARCÍA TEIJEIRO

UNS DÍAS CON FILMES DE INTERESE.

$
0
0


    
   
           Nestes últimos días vin unha serie de películas, algunhas das cales petaron moi forte en min ata sacudir intensamente o máis íntimo.
     Chámolle ao feito de ver cine na casa, na Sala Ernst Lubitsch pola admiración que sinto por este director dende hai xa ben anos.
     Falemos dalgunhas delas.
      
     Non me gustou, por exemplo, Nostalxiade Andrei Tarkovsky. Confusa, pretensiosa, pesada ata a extenuación, recoñezo que non puiden con ela. Moitos dirán que é unha eiva cinéfila. Pois si,será iso. Non o discuto. Pero a min aburriume en exceso. Que lle vou facer! Sei que está moi valorada, que recibiu unha chea de premios. Sei que posúe un gran talento visual, entre algunha outra virtude, pero a min “Nostalxia” pareceume fría, excesivamente lenta, redundante, escura e carecente de emoción. E así quero expresalo.
      

     Gocei, unha vez máis, co mellor cine do xenial Woody Allen. Desta volta, unha nova revisión de Maridos e mulleres. Intelixente sátira sobre a sociedade americana (e de calquera país), na que o drama, a ironía e mais a comedia van de a man para alegría do espectador. As boas películas de Allen non perden vixencia.
    

     Entusiasmoume o papel dun Leo di Caprio mozo, un dos meus actores favoritos, na tenra ¿A quen ama  Gilbert Grape?, un drama familiar no que Lasse Hallströmnos amosa o tema da discapacidade e da vida rural en Norteamérica. Moi ben, ademais, un  Johnny Depp con vinte anos menos. Estamos falando de 1993.
      

     De novo Leonardo di Caprio, da man do gran Scorsese, asómbranos no despregue visual que é  O lobo de Wall Sreet , unha película  que trata a vida e o ambiente dos corredores de bolsa de Nova York, con todos os seus excesos (sexo e drogas). Un filme que nos introduce no caos financeiro e no culto ao diñeiro nos anos 80.
     

      
       Pero quero determe en dúas cintas que bateron en min polo bo cine que conteñen, aínda que unha delas, Só o vento , non acada a unanimidade de gran película.
     Para uns, esta coprodución húngaro-alemá-francesa resúltalles pesada e confusa na súa narración (Carlos Boyero, por exemplo) ou “unha pataca na retina” (Luis Martínez), para otros, entre os que me inclúo, é unha narración desgarradora sobre a vida dunha familia xitana, que debe sobrevivir na miseria cotiá entre o medo a ser atacada por pistoleiros racistas e  a triste realidade que os envolve.
     Con primeiros planos moi dinámicos, unha estética que absorbe, con pouco diálogo, este filme reflicte a barbarie humana a través dos xestos, das accións dos personaxes e unha linguaxe de cámara realmente magnífica.
      

     

      E a outra, a alfaia desta semana foi, sen dúbida, a marabillosa Cando pasan as cegoñas, obra mestra  realizada na Unión Soviética no ano 1957 polo director Mijaíl Kalatozov, sobre un guión de Viktor Rozov.
     Verónica e Boris son dous mozos moscovitas que están namorados, que se ven forzados a separarse cando estala a Segunda Guerra Mundial. Boris alístase no exército para ir á fronte.
       
      

     Un drama romántico e de guerra, que afonda nos sentimentos íntimos das persoas. A crueldade da guerra vai cambiar os comportamentos dos personaxes e a soidade e mais os soños veranse truncados polo ruído das armas. Os caracteres deses personaxes están perfectamente marcados na película. Os primeiros planos permiten expresar neles todo o sufrimento que os envolve e a actuación de Tatyana Samoylova, no papel de Verónica, resulta verdadeiramente sublime.


     O director intenta, e consegue, tratar o tema emocional por riba dos acontecementos militares. Dinámica, rica e moderna visualmente, “Cando pasan as cegoñas” está ateigada de escenas memorables.
     Unha xoia que recibiu a Palma de Ouro no Festival de Cannes en 1958 e foi nominada a varios premios BAFTA.
     Un pracer gozar con este cinema de auténtica calidade. Descubrilo foi un luxo.         Altamente recomendada para os amantes do bo cine.


                                                                                                                   ANTONIO GARCÍA TEIJEIRO

A OBRA DE MESSIAEN VISTA POR JAVIER GOLVANO.

$
0
0



      
Javier Golvano
Volve Javier Golvano.  Con iso xa está todo dito.
       E coa súa palabra e a sensibilidade musical que leva dentro, descóbrenos un compositor de vital importancia dentro da música: Olivier Messiaen.

       Hei recoñecer que o seu “Cuarteto para a fin dos tempos”asombroume sempre. É unha obra máxica, con forza, que me fai sentir, en varios momentos, arrepíos de emoción intensa.

       As escollas de Javier Golvano teñen un punto esencial: foxen do mallado e céntranse en personaxes de indubidable interese que, para a maioría das persoas, pasan desapercibidos por falta de curiosidade ou de coñecemento.

        Daquela, aparece Javier Golvano e permite que abramos ventás novas maneiras de entender a música. O enriquecemento e mais a cultura musical aniña en cada un de nós, gozando coas súas propostas.




Olivier Messiaen





                               OLIVIER MESSIAEN. ¿UN COMPOSITOR PARA EL FIN DE ESTOS TIEMPOS?.

“La música se ha considerado siempre una vía de comunicación con el mundo espiritual. Pero el mundo moderno lo ha olvidado, dijo”

                                                                                Gabriel Josipovici.     “Infinito”


       Hay gente de la que después de conocer su trayectoria vital y sus logros en algún campo de la actividad humana, solemos decir que estaba predestinada para ello. Otros, menos humildes, se nos suelen anunciar ellos mismos como los llamados, no sabemos muchas veces por quién, pero nuestra ignorancia no les disuade de nada, para llevar a cabo una labor o una “misión” que se convierte en el objetivo de su vida, con independencia de que nosotros pensemos que ni  tienen condiciones para ello ni, en la mayoría de los casos, el mundo necesite perentoriamente lograr el objetivo que se proponen.
Cecile Sauvage


       Bien, pues todavía hay un tercer tipo de individuos predestinados que ni nosotros, ni ellos mismos, sino un tercero o tercera así lo proclaman. Este es el caso del protagonista de la  “entrada” de hoy: el compositor galo Olivier Messiaen (Avignon 1909- Clichy (Île de France) 1992) a quien su madre Cecile Sauvage, que era poeta, estando embarazada de él le dedicó un libro de poemas “L´âme en bourgeon” (“El alma brotando”) donde ella: “Enfant, pâle embryon, toi qui dors dans les eaux” (Niño, pálido embrión, tú que duermes en las aguas),  presentía que iba a tener un niño, en aquellos tiempos en que, como Messiaen le comentaba a José Luis Pérez de Arteaga en una conversación mantenida en 1989 en Madrid, no había medio alguno para conocer el sexo de los venideros bebés, y le hablaba también a su hijo del Oriente, de cuya tradición musical sería éste buen conocedor andando el tiempo, y no sólo éso, sino que además le hablaba de pájaros- Messiaen con el tiempo se dedicaría a la Ornitología y transcribiría el canto de los pájaros y lo utilizaría en sus composiciones- y, por si faltaba algo, y ésto le confiesa Messiaen a Pérez de Arteaga es lo más sorprendente, ella le escribe: “Je souffre de lointain musical que j´ignore” (“Me duele mucho mi ignorancia musical”), pues, efectivamente, él sería músico pero, reconoce Messiaen, esa referencia, esa intuición materna, es extraña pues en su familia el ambiente era intelectual, universitario, y se habían dado ingenieros, escultores, médicos, pero ningún músico. Y termina nuestro compositor de hoy: “Yo siempre he creído ver en ese libro algo extraordinario y pienso que ha determinado toda mi vida, que me ha predestinado. Yo he sido el primer músico de mi familia, en donde no había tradición alguna”.


       El presentimiento de su madre se confirmó pronto y a los seis años, con la familia ya instalada en Grenoble, Messiaen con el piano y de manera autodidacta, mostró que lo suyo era la música y comenzó su instrucción musical en serio.


      
Paul Dukas
Con posterioridad, la familia se trasladó a París pues su padre, profesor de Liceo, obtiene plaza en un liceo parisino y él se matriculó en el Conservatorio donde estudiaría de 1919 a 1930, entre otros, con Jean Gallon (Armonía), Paul Dukas (Composición) y Marcel Dupré (Órgano), el  mayor virtuoso del órgano en aquella época, y del que, efectivamente, debió de aprender mucho pues en 1931 sería Messiaen nombrado organista de la iglesia de La Trinidad de París, puesto que conservaría hasta su muerte.


       Sería, además, desde 1936 a 1939 profesor en la Ecole Normal de Musique y en la Schola Cantorum y, con posterioridad, en el Conservatorio de París profesor de Armonía desde 1942 y de Composición a partir de 1966.
Conservatorio de París


       En 1936, junto con Jolivet, Lesur y Baudrier, formaría el grupo “La Jeune France” cuyo objetivo era contribuir a regenerar espiritualmente y estéticamente la música francesa que oscilaba a menudo, según ellos y para mal, entre una facilidad inane, un clasicismo exangüe y un exagerado cerebralismo.


       Para entonces, él ya conocía en profundidad la música hindú, los modos griegos y el canto llano, así como la música popular. Todas ellas influirían notablemente en su modo de composición a lo largo de lo que sería una precoz carrera de compositor iniciada siendo aún estudiante del conservatorio de París.

Sinfonia Turangalila   introducción.



        A la hora de entender la trayectoria musical y la personalidad de Messiaen hay algunas circunstancias y peculiaridades que no hay que olvidar. Messiaen, que no provenía de una familia religiosa ni de un entorno creyente, fue él si, una persona muy religiosa, con esa religiosidad del cristianismo inicial y ese amor por todas las criaturas. Cuando en la década de los setenta del siglo pasado la Ópera de París le proponga la creación de una ópera, después de una profunda reflexión se decidirá por abordar el tema de San Francisco, y explicará su decisión: “porque es el Santo más cercano, el más parecido a Nuestro Señor”.


       En su catálogo abundan las obras inspiradas por ese sentimiento religioso, algunas hasta lo explicitan en su título, como las obras para órgano: “La Ascensión”, “La Natividad del Señor”, “La Misa de Pentecostés”, etc. o las dedicadas al piano: “Visiones del Amén”, “Veinte miradas sobre el niño Jesús”, o a la formación orquestal: “Tres pequeñas liturgias de la presencia divina”, “La transfiguración de nuestro Señor Jesucristo”, “Meditaciones sobre el misterio de la Santísima Trinidad”. Otras obras no lo revelan en el título pero están impregnadas de él.


      
Caderno manuscrito de anotacións   dos cantos dos paxaros. O. Messiaen.
Fue un gran amante de los pájaros. En la entrevista citada con José Luis Pérez de Arteaga, ante la pregunta formulada por éste último de en que momento de su vida aparecen los pájaros como elemento inspirador de la composición, le contesta el músico que fue a partir de los dieciocho años cuando los empieza a escuchar como músico en el campo, cómo empieza a anotar su canto, mal y con una notación muy pobre, que sólo mejoraría cuando trabajó con ornitólogos especializados que dirigieron sus estudios.

       A partir de entonces fue a estudiar inicialmente el canto de los pájaros de muchas regiones de Francia, como los Pirineos, Bretaña, el Languedoc, La Camarga, etc., que serían la base de su “Catálogo de Pájaros” y luego, ya fuera de Francia, los pájaros de Amèrica del Norte, de Japón, de Israel- son la base compositiva de su ”Libro del Santo Sacramento” para órgano, que trata de la presencia de Cristo en el Santo Sacramento-, e incluso los de Nueva Caledonia, donde se dan algunas especies únicas, buena parte de cuyos cantos los utilizaría con posterioridad en su ópera sobre San Francisco.


      
Scriabin
Olivier Messiaen tenía otra peculiaridad, que también han tenido algunos otros compositores como por ejemplo Scriabin: era sinestésico. La sinestesia, que fue entendida como un desarreglo hasta no hace mucho tiempo, no es sino la capacidad de algunas personas de reaccionar ante algunos estímulos con una respuesta multisensorial. En concreto Messiaen al oír notas o acordes musicales percibía además, unidos a ellos, sensaciones visuales, colores.


       No sabemos que ideas musicales vendrían a la cabeza de Messiaen al ver en las catedrales góticas francesas sus hermosos vitrales y vidrieras pero dan ganas de desear para uno, si es que lo de la metempsicosis es cierto, una reencarnación en los ojos y oídos de Messiaen al modo en que el libertino mental Woody Allen pedía reencarnarse en las yemas de los dedos de ese otro libertino, éste sí de verdad, que era Warren Beatty.


        Como compositor, Messiaen, según Francisco Ramos,: “Rompe con el neoclasicismo en el que había sido educado y, en la época de entreguerras renueva las técnicas del lenguaje musical con la elaboración de los llamados “modos de transposición limitada”. Ese modo de componer sería sistematizado en su libro de 1944 “Técnica de mi lenguaje musical”.


       Por esos mismos años, finales de los 40, escribe sus “Estudios de ritmo” parte de los cuales son sus “Modos de valores e intensidades”, que serían dados a conocer en Darmstad tras la Segunda Guerra Mundial y que en palabras de Luis de Pablo es una obra esencial y, al mismo tiempo, resultaría una puerta abierta y un callejón sin salida para muchos de sus seguidores.

Luis de Pablo

        Lo chocante es que Messiaen, que jamás sintió la menor simpatía o afinidad por la Escuela de Viena, pues según él “mataba la resonancia natural”, es uno de los desencadenantes con sus “Modos de valores e intensidades” del desarrollo del “serialismo integral” al extender el concepto de “serie” y su empleo con las notas, en la altura del sonido, al resto de componentes del mismo: ritmo, dinámica, timbres, etc..


        Al oír sus composiciones si hay algo que queda meridianamente claro es su autoría. Inmediatamente reconocemos  al  autor desde los primeros compases por sus timbres, por sus ritmos y por sus modos de composición.


       Hablar de él como profesor es hablar, utilizando una expresión de Luis de Pablo, “de un maestro incomparable de los que, respetando al alumno, le orientan en el despertar de su personalidad musical sin imponerle la propia y con una inexcusable llamada a la autoexigencia”.
Arnold Schoenberg


       Al parecer compartía con Schoenberg una gran capacidad para el análisis musical profundo de las partituras, y en cuanto a compositores que en un momento u otro fueron alumnos suyos, si de Schoenberg lo fueron Alban Berg y Anton Webern, que conformaron con el propio maestro la conocida con posterioridad como Segunda Escuela de Viena, de Messiaen, entre muchos otros, lo fueron Pierre Boulez, Karl Heinz Stockhaussen y Iannis Xenakis.
Pierre Boulez

       Nuestro compositor empezó a componer relativamente joven, su obra para órgano “La Ascensión” data de 1933. De esta primera etapa su obra más conocida es el “Cuarteto para el fin del tiempo” que ha resultado ser una de sus obras más representativas y de las más interpretadas. Messiaen con posterioridad no escribiría prácticamente música de cámara.

Cuarteto para el final de los tiempos :





        Este cuarteto es para una formación inusual de piano, violín, chelo y clarinete, lo que le dota de una tímbrica especial y muy característica, y tiene detrás una historia muy peculiar. Al comienzo de la II Guerra Mundial, durante la invasión alemana de Francia Messiaen, que había sido desechado para el servicio militar activo y prestaba servicios auxiliares, fue hecho prisionero por los alemanes y deportado al campo para prisioneros de guerra de Görlitz en Silesia. 

Sería allí donde durante los años 1940-41 compondría este cuarteto inspirado en “El Apocalipsis” y pensado para una formación de cuarteto  atípica y predeterminada por los músicos compañeros en cautividad de los que podía disponer para su interpretación. La obra fue estrenada en el propio campo a mediados de Enero del 41, un año antes de que en 1942 fuese de nuevo repatriado a París.


       De los años 1943-44 datan dos de sus obras más significativas para piano: “Visiones del Amén” y “Veinte miradas sobre el niño Jesús”. La primera de ellas para dos pianos sería interpretada en el estreno por él mismo y por su alumna Ivonne Loriod, que también sería una excelente intérprete de la segunda y que andando el tiempo se convertiría en 1962 en la segunda esposa del compositor tras el fallecimiento de su primera mujer.

                  Vingt regards:

                                    X regard de lésprit de joie:





        Creada entre 1946 y 1948, a petición de Serge Koussevitzky para ser estrenada con la Sinfónica de Boston, la sinfonía “Turangalila” puede que sea su obra más conocida y difundida. Compuesta para piano, ondas Martenot y orquesta su  nombre proviene  de la conjunción de dos palabras procedentes del sánscrito y con ella termina su primera época de madurez compositiva.
Yvonne Loriod


       Aunque los pájaros le acompañaron siempre, en los cincuenta compone varias de sus obras más significativas tomando como referencia esos cantos y las transcripciones correspondiente; entre ellas podemos encontrar para  piano y orquesta su “Reveil des oisseaux” y “Pájaros exóticos” y para piano solo la vasta suite “Catalogue d’oisseaux” de la que también sería una excelente intérprete su esposa Yvonne Loriod.

                        Catálogo de pájaros: le traquet stapazin:





       En los primero años 70 compuso, a petición de la Sociedad de Música de Cámara de Nueva York para conmemorar el bicentenario de la fundación de los Estados Unidos, otra de sus obras para orquesta más significativas y escuchadas: “Des canyons aux étoiles”. El compositor realizó en 1972 un viaje al estado de Utah, principal lugar de inspiración de esta obra por sus cañones de extraordinaria belleza y con rocas de todas las posibles variedades del rojo- no olvidemos la sinestesia del compositor-, que sirvieron “de punto de partida a este monumental fresco descriptivo en el que la música se eleva hacia las estrellas, en una composición geológica, astronómica y religiosa con una escritura altamente elaborada” en palabras de Mercedes Albaina.


        Cuando mediados los años 70 del siglo pasado el director de la Ópera de París Rolf Liebermann  sugirió a Messiaen la escritura de una ópera éste en un primer momento pensó que no estaba preparado para ello y que además el “Wozzeck” de Alban Berg no dejaba opciones para continuar en ese campo. La insistencia de Liebermann le haría cambiar de idea y como ya hemos dicho optó por la figura de San Francisco de Asís, siendo él mismo el autor del guión.  Sobre ella el autor comentaría haber excluido todo lo que no contuviera colores, milagros, pájaros, piedad y fe.

Montaxe ópera "San Francisco de Asís".

        Es una ópera de larga duración y de un desarrollo inusitadamente lento y uno de sus grandes valedores fue el recientemente fallecido director del Teatro Real de Madrid Gerard Mortier: la programó en el festival de Salzburgo cuando pasó a dirigirlo tras la etapa Karajan, en una producción de Peter Sellars con dirección musical de Kent Nagano y con José Van Damm – el cantante que la estrenó en París- en el rol de San Francisco, de la que hay grabación disponible, y la programaría con posterioridad por todos los teatros y festivales de los que fue responsable: la trienal del Ruhr, la Opera de París y el propio Teatro Real.
Zubin Mehta


       La última gran obra para orquesta, que compondría entre 1987 y 1991, sería “Eclairs sur l´au delà”. Fue un encargo de la Orquesta Filarmónica de Nueva York para su 150 aniversario y acabaría siendo estrenada allí, bajo la dirección de Zubin Metha, unos meses después del fallecimiento del compositor.


 En palabras de Yvonne Loriod: “Es un conjunto de meditaciones sobre el más allá y la Jerusalén celeste en las que es constante la presencia en ellas de Cristo, pero también las de los astros, las estrellas, los colores de las piedras preciosas de la Jerusalén celestial y los pájaros”.


        Messiaen, probablemente el compositor francés más notable desde la desaparición de Ravel, en su despedida, una vez más nos habla de los temas que le ocuparon durante toda su vida y toda ella confirma esa premonición materna de la que hablábamos al principio.

                              Eclairs sur l’au delà: (I)

                                                                          


ESCAPARATE POÉTICO (XXXIX) Carlos G. Reigosa

$
0
0





CARLOS G. REIGOSA   ( A Pastoriza, Lugo. 1948)


V

Adiviñámonos –é a palabra-
na ondada dos días e as sabas.
E cansamos un do outro
sen cvansarnos nunca de veras.

A isto lle chaman vida e só é
o breve latexo de dous soños
que por veces se confunden
para rebautizarse amor.

Mais non dura o engano
porque entre durmir e espertar
crébase o soño de ser outro
que transcende o un mortal
que se extingue en nós
                  inevitablemente.

Son cousas do amo tempo
que nos anobelan na orixe
                    para sempre.

Xogos de deuses sen importancia.





XXVIII

Se é posible morrer
nada é imposible.

 



XXIX

Ata agora sempre souben
de que fuxir
                      e logreino.

Agora anhelo escapar de novo,
pero xa non sei de que
                      nin cara a onde.

Paradoxalmente,
todo empeorou ó mellorar.





XXX

A vida é o impulso cego de asomarse
a un paraíso
                      perdido
nun eterno retorno
                      nin sequera imposible.









                                                                                                      (Do libro Kid Salvaxe. Edicións Xerais de Galicia. 2014)

ÁLVARO CUNQUEIRO E OS PAPEIS QUE FORON VIDAS

$
0
0
Como ben amosou en innumerables ocasións ao longo da súa obra, para Álvaro Cunqueiro, literatura e vida son inseparables, ata tal punto que sería case impensable para o autor mindoniense vivir sen fabular, sen contar historias e sen falar dos libros que algunha vez chegaron ata as súas mans. Isto é evidente nos seus copiosos epistolarios, e tamén nun libro seu co que me topei non hai moito, unha antoloxía de artigos periodísticos de carácter literario publicada por Xesús González baixo o tan acertado título de Papeles que fueron vidas (Tusquets, 1994). Trátase dunha serie de textos que Cunqueiro escribiu en castelán entre 1973 e 1975 para seren difundidos no diario catalán El Noticiero Universal e que lle foron requeridos polos directores do seu suplemento literario, Julio Manegat e Enrique Badosa.


Álvaro Cunqueiro
Para a súa edición, González compilou practicamente todos os artigos, aínda que deixou algúns fóra co obxecto de manter a unidade temática do volume, que xira—como non?—arredor das lecturas feitas por Cunqueiro por eses anos. Funcionan, así, estes textos, coma unha sorte de diario literario no que o escritor dá a coñecer algúns autores que lle gustan, ofrece as súas opinións, sempre persoais e intransferibles, sobre certas obras lidas e mesmo ten tempo para facer conexións sorprendentes de diverso tipo. Un bo amigo meu chama, de xeito un tanto pexorativo, "telefonistas" aos críticos e escritores que se adican a facer conexións improbables e baleiras de contido entre autores e épocas, pero nada disto atopamos nestes artigos de Cunqueiro, quen, esteamos ou non de acordo coas súas filias e fobias, sabe sempre de que está a falar.


António Nobre
E o que é falar, Cunqueiro fala de moitas cousas nestas páxinas, e todas elas interesantes. En todos os artigos emerxen ideas e opinións que son proba da erudición do de Mondoñedo e que invariablemente nos fan pensar e nos descobren universos acotío descoñecidos. Unhas veces Cunqueiro amosa a súa predilección polas lendas e os mitos celtas, xermánicos e escandinavos, como por exemplo nos artigos que adica aos lamentos gaélicos e ao Kalevala, o poema épico finés. Outras veces reflexiona sobre literatura en francés (Paul Éluard, François Nourissier), en inglés (a Spanish Tragedy de Thomas Kyd, a poesía de Sylvia Plath) e mesmo en letón a través da tradución francesa (Os pescadores de perlas, de Janis Poruks). Importantes son, así mesmo, os artigos que adica a personalidades literarias galegas, como Rosalía ou Castelao, e a textos medievais e populares galegos. Dun interese especial resulta o artigo titulado "Cómo se escribe", no que Cunqueiro repasa as manías que algúns escritores clásicos tiñan á hora de sentar a escribir as súas obras. Aí aprendemos que "Renan y Chateaubriand preferían para escribir el tiempo del otoño" ou que o poeta romántico portugués António Nobre"no sentía el corazón lo suficientemente dolorido para sus poemas hasta que le dolían igualmente los pies descalzos con el frío de la noche, que descendía de la redonda luna". De Rosalía dinos que "gustaba de escribir a la hora vespertina, a la hora de entre lusco y fusco, y llegaba un momento en que se encontraba escribiendo en plena tiniebla, y silenciosamente le encendían una lámpara para que pudiese continuar". Cara a fin do artigo, Cunqueiro pregúntase retoricamente se aínda queda algún escritor que saiba cortar plumas de ave, e cita o caso do italiano Italo Svevo, a quen lle ensinaran a cortalas cando traballaba nun banco en Trieste. E remata así Cunqueiro a peza:
Italo Svevo


"Quizás alguna vez, cuando ya no se usaban esas plumas, necesitó una para un momento difícil, uno de esos momentos en los que el pensamiento o el sueñoque queremos decir, no encuentra las palabras precisas, la frase se confunde a sí misma. A mí me sucede el tener que interrumpirme, escribiendo a máquina, y buscar un lápiz de grueso trazo para poder continuar el surco."

Velaquí só un exemplo das múltiples pequenas xoias que podemos atopar nestes Papeles que fueron vidas, un libro no que Cunqueiro non só repasa vidas de papel, senón que tamén demostra unha e outra vez que calquera vida fica incompleta se non somos quen de enchela de literatura.

                                                    ANTÓN GARCÍA-FERNÁNDEZ



Viewing all 1127 articles
Browse latest View live